FIAC

  

Aussi remplie qu'une Fashion Week , la semaine de la Fiac foisonne d'événements d'art contemporain. Éclairage sur les parcours in et off.

 

 

La Fiac se démultiplie, du Grand Palais aux Tuileries. La 35e édition de la Foire internationale d'art contemporain déploie pendant quatre jours, du 23 au 26 octobre, tout son arsenal d'événements officiels et périphériques. On a rarement vu à Paris une telle prolifération de foires « off » - Slick au Centquatre, Show Off à l'Espace Pierre-Cardin, Artistbook International au Centre Pompidou -, de conférences, d'expositions d'œuvres d'art en plein air (aux Tuileries, sur le parvis du Trocadéro), et de performances (à l'auditorium du Louvre et du Jeu de Paume). Le phénomène grossit d'année en année et traduit la vitalité du milieu de l'art. Est-ce à dire que le marché connaît une telle embellie en pleine crise financière, et que Paris redevient the place to be ? « Après la crise de 1991, tous les acteurs se sont réunis pour collaborer et hisser Paris au rang international » , analyse la galeriste Magda Danyz, cofondatrice de Show Off. « De là est né le mouvement off qui vient enrichir cette semaine de l'art. »

 

 

L'art contemporain est à la mode. Après l'engouement pour l'univers du luxe et de la mode dans les années 1980 et 1990, la dernière décennie est résolument tournée vers l'art contemporain et ses plasticiens. Depuis le retour sous la verrière du Grand Palais en 2006 et l'arrivée aux commandes de Martin Berthenod (commissaire général) et de Jennifer Flay (directrice artistique), la Fiac n'est plus la « foire provinciale » que les Anglo-Saxons dénigraient. On compte cette année 189 galeries d'art moderne, contemporain et de design, dont 72 galeries françaises et 117 galeries étrangères venues de 21 pays. La White Cube de Londres est présente ainsi que Thomas Schulte de Berlin.

L'émergence des jeunes talents. Derrière les stars comme Jeff Koons ou Damien Hirst, symboles visibles de cette ébullition, une génération de jeunes talents profitent d'une « saine émulation  ». Le public prend également part au débat. En effet, Show Off propose des tables rondes autour de sujets concrets : « Comment constituer une collection ? » (le 23 à 15 heures), « Où placer sa vidéo d'art ? » (le 24 à 15 heures) ou encore « Art et mode, les liaisons dangereuses » (le 26 à 15 heures)

 

 

 

 

Jardin des Tuileries

Pour la troisième année consécutive, la Fiac s'associe avec le Musée du Louvre pour présenter, au cœur du Jardin des Tuileries, un programme d'installations d'œuvres contemporaines. L'intérêt croissant des galeries et des artistes, ainsi que le cadre exceptionnel du jardin, a permis de rassembler cette année une vingtaine de projets extérieurs conjuguant installations monumentales, œuvres performatives ou sculpturales qui, en interaction avec le public, prennent corps entre les allées, les bosquets et les pelouses du jardin.

 

On aime ou on aime pas ce genres de manifestations , certains n'en apprécient pas le côté mercantile et business , je peux le comprendre ; néanmoins c'est l'occasion aussi de rencontrer quelques artistes et des oeuvres qui touchent et émeuvent ... Contrairement à ce que pensent aussi d'autres personnes tout n'est pas que bluff et foutaises dans l'art contemporain pour peu que l'on fasse confiance à son ressenti et que  l'on n'appréhende pas cela parce qu'il faut en être !! Et même si les rencontres vraiment marquantes sont rares , pour une , cela en vaut la peine ...

 

 

 

libre

    " sortir du cadre ... "

 

 

Niki de Saint Phalle

 

 

 

 

 

Tout le monde ou presque connaît les célèbres " Nanas " de l’artiste franco-américaine Niki de Saint Phalle mais qu’en est il de son Jardin des Tarots ?

Ce lieu fantastique et surprenant, unique au monde est situé à Capalbio dans la province de Grossetto à l’extrême sud de la Toscane.

Il n’est pas sans rappeler le Parc Guëll à Barcelone de l’architecte Gaudi. C’est d’ailleurs suite à sa découverte en 1955 que l’idée d’un tel jardin pris forme dans l’esprit de l’artiste.

Les premiers travaux, auto-financés du début à la fin, commencèrent en 1979 grâce à la collaboration et au soutient de son mari Jean Tinguely, d’amis artistes mais aussi d’anonymes.

Dans cet immense jardin privé sont représentées les 22 arcanes majeures du tarot sous forme de sculptures géantes hautes de 12 à 15 mètres faites de polyester peint et de béton armé recouverts de mosaïques : miroirs, céramiques multicolores et verre coloré de Murano.

Dans le jardin des tarots, vous ne trouverez pas de visite guidée, spécificité résultant de la volonté de l’artiste de laisser à ses visiteurs une entière liberté d’interprétation des ¦uvres grâce à leurs connaissances et leur expérience propre.

Tout autour du parc a été construit un mur d’enceinte ayant pour but de séparer la réalité de tous les jours et la fascinante magie intemporelle du Jardin.

 

 

 

« Le Jardin des Tarots n'est pas seulement mon jardin, c'est aussi celui de tous ceux qui m'ont aidée à le réaliser. J'en suis l'architecte, j'ai imposé ma vision parce que je ne pouvais pas faire autrement. Ce jardin a été fait avec beaucoup de difficultés, d'amour, d'enthousiasme fou, d'obsession. Mais le plus important de tout est le fait que rien n'aurait pu m'arrêter. Comme dans tous les contes de fées, avant de trouver le trésor, j'ai rencontré sur mon chemin des dragons, des sorcières, des magiciens et l'ange de la tempérance. Le soleil comme un oiseau tiré des légendes indiennes et mexicaines s'impose devant le Pape à la sagesse sacrée Si la vie est un jeu de cartes, nous sommes nés sans en connaître les règles et nous devons jouer notre main. Le tarot est-il seulement un jeu de cartes ou y a-t-il une philosophie derrière ? 

                                                                                                                                             Niki de Saint Phalle

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« Un endroit pour rendre les gens heureux »

Œuvre d’une vie, univers magique, interaction entre art et nature, espace symbolique et méditatif, atelier expérimental et conceptuel... Le jardin des Tarots de Niki de Saint-Phalle, ouvert en 1998, en Italie, est tout cela, plus ce que chaque visiteur y trouve en résonance avec son propre monde intérieur...
Elle se lance, à partir de 1978, dans la construction de vingt-deux sculptures géantes s’inspirant des arcanes majeurs du tarot. Trois d’entre elles sont habitables, dontL’Impératrice, carte de l’intelligence et de la sagesse féminine, où pendant plusieurs années l’artiste a vécu et travaillé avec son équipe, installant son lit dans le sein de la statue : "J’étais la mère à l’intérieur de la mère", dit-elle."

 

 

                                                   ( en cours de réalisation )

La démarche de Niki de Saint Phalle et son expression artistique n'est pas sans lien avec son histoire , peut-être est ce pour cela que la défense de la justice et de la femme ont une forte présence dans son oeuvre . J'ai pensé qu'un peu de couleurs dans la grisaille ambiante pouvait ne faire que du bien ; l'intégrité aussi et l'expression de sentiments nobles ; et puis l'humour , le côté ludique de la vie ... Tout ce que l'on retrouve dans le monde fantastique de Niki ...

 

 

 

 

les introducteurs de réalité

 

     ( oeuvre de Christophe Miralles )

" La passion de peindre s'est toujours montré semblable à celle de vivre et de faire vivre, par les autres et pour les autres . L'artiste veut entendre, comprendre et être entendu, compris . Il se montre et montre le monde . 

Peindre est un langage, un moyen de communiquer tout comme parler , un moyen de liaison: une preuve de l'existence , mais aussi de confiance dans cette existence... Presque toujours le voeu de l'homme s'est fait jouer par la couleur . Toujours la description du monde, du visible, a été celle de la tentation, de la confiance, de l'espérance. On a toujours pu confondre la lumière avec Les lumières, c'est à dire avec la conscience claire, avec l'imagination heureuse et avec la raison. Nous vivons cette vie, mais il nous est donné de lutter pour en vivre une autre. n'étant rien, nous pouvons être tout. Bien sûr que nous savons montrer le mal, mais c'est pour mieux le combattre, pour y échapper. La peinture, par les mots ou par le pinceau, des monstres, a, hélas, toujours été d'actualité, mais c'est d'elle que sont nées les grandes révoltes optimistes, les revendications les plus valables .

Je suis un homme et je puis reproduire mes désirs, je peux me rendre libre en libérant les autres. Et je sais que j'aborde là à la fois la barriére et la porte entre le monde extérieur et moi. Mais si la barricade s'ouvre, la vie toute entière est nôtre. L'homme est en marche sur la terre."

Paul Eluard

Hundertwasser

 

Friedrich Stowasser (* Vienne, 15 décembre 1928; † Nouvelle-Zélande, 19 février 2000), mieux connu sous le nom de Friedensreich Hundertwasser, était un artiste peintre, penseur et un architecte autrichien ou plutôt comme il l'a annoncé dans son manifeste prononcé le 24 janvier 1990, un médecin de l'architecture.

Il invente son nom d'artiste à partir de Frieden qui signifie «paix» et Reich «le royaume» ou bien reich «riche», Friedensreich se traduisant donc par le «Royaume de la paix» ou «riche en paix». Sto étant le mot tchèque pour «cent» (hundert en allemand) et wasser se traduisant par «eau», Hundertwasser veut donc dire «cent eaux».

 

Dans le premier cas, la mise bout-à-bout des deux termes donne : «Le royaume de la paix (aux) cent eaux». Hundertwasser aimait souvent à citer la traduction japonaise de son nom (hyaku-sui).

 

Bien qu'il soit né et ait grandi en Autriche, la patrie de choix de Hundertwasser était cependant la Nouvelle-Zélande, et sa principale maison le navire Regentag (jour de pluie), un ancien navire de commerce réorganisé.

 

 

Son message est profondément, viscéralement écologiste et s'exprime très tôt par des performances remarquées, des manifestes écologiques, artistiques et architecturaux et dans toutes ses réalisations (peintures, affiches, timbres, maisons, architectures, livres...).

Ses manifestes portent des titres comme Ton droit à la fenêtre où il affirme que dans un habitat collectif, l'habitant est maître de tout ce qu'il peut atteindre de sa fenêtre autrement dit, le concepteur doit tenir compte des désirs de l'utilisateur, Pour une société sans déchet, La folie du nettoyage, La toilette-humus, etc. Il se soucie de "l'empreinte écologique" du citoyen et du citadin moderne. En conséquence il crée des immeubles avec des arbres aux fenêtres (l'arbre-locataire), conçoit et réalise en ville et à la campagne des maisons dont les toits sont recouverts de verdure et de végétaux, des sols à niveau inégal et encourage les propriétaires et les ouvriers à être créatifs et à apporter une touche personnelle à leur travail, par exemple grâce à la mosaïque. Il aime l'asymétrie et tout ce qui vient rompre l'ordre et la monotonie de la géométrie pure.

Son œuvre picturale est caractérisée par le foisonnement organique des formes et repose sur la brillance des couleurs. Couleurs qu'il emploie fréquemment (souvent plus douces) en architecture comme l'Or, emprunt au style baroque rococo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On peut affirmer que Hundertwasser est un artiste inclassable marqué par un immense amour de la nature et l'un des grands pionniers d'une architecture humaniste et écologique qui tente de concilier créativité artistique et écologie.

Complètement d'avant garde !

L'art est dans la rue

 

Oui , parfois l'art est dans la rue , au détour d'un virage ... et on se sent d'un seul coup éphémére comme ces dessins bientôt démolis et perdus ... la vie nous réserve son lot de surprise !!

 

Peindre

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

" Peindre, c'est se remettre à aimer .

Pour voir comme le peintre voit, il faut regarder avec les yeux de l'amour. Son amour à lui n'a rien de possessif : le peintre est obligé de partager ce qu'il voit. Le plus souvent, il nous fait voir et sentir ce que nous ignorons ou ce contre quoi nous sommes immunisés. Sa manière d'approcher le monde vise à nous dire que rien n'est vil ou hideux, que rien n'est banal, plat ou indigeste si ce n'est notre propre puissance de vision.

Voir n'est pas seulement regarder ce qu'il faut ; ce qu'il faut c'est regarder-voir; c'est pénétrer du regard et observer. "

Henry Miller

 

 

( oeuvre de P. Natier )

Giacometti

 

 

 

" On peut comparer le monde à un bloc de cristal aux facettes innombrables. Selon sa structure et sa position, chacun de nous voit certaines facettes. Tout ce qui peut nous passionner, c'est de découvrir un nouveau tranchant, un nouvel espace."

Alberto Giacometti

 

" C'est l'oeuvre de Giacometti qui me rend notre univers encore plus insupportable, tant il semble que cet artiste ait su écarter ce qui gênait son regard pour découvrir ce qui restera de l'homme quand les faux-semblants seront enlevés. Mais à Giacometti aussi peut-être fallait-il cette inhumaine condition qui nous est imposée, pour que sa nostalgie en devienne si grande qu'elle lui donnerait le force de réussir dans sa recherche. Quoi qu'il en soit, toute son oeuvre me paraît être cette recherche que j'ai dîte, portant non seulement sur l'homme mais aussi sur n'importe lequel, sur le plus banal des objets. Et quand il a réussi à défaire l'objet ou l'être choisi, de ses faux-semblants utilitaires, l'image qu'il nous en donne est magnifique."

 

" Il n'est pas à la beauté d'autre origine que la blessure, singulière, différente pour chacun, cachée ou visible, que tout homme garde en soi, qu'il préserve et où il se retire quand il veut quitter le monde pour une solitude temporaire mais profonde... L'art de Giacometti me semble vouloir découvrir cette blessure secrète de tout être et même de toute chose, afin qu'elle les illumine."

Jean Genet

 

 

 

 

"La solitude, comme je l'entends, ne signifie pas condition misérable mais plutôt royauté secrète, incommunicabilité profonde mais connaissance plus ou moins obscure d'une inattaquable singularité."

 

 

 

 

 

 

"Leur beauté- des sculptures de Giacometti me paraît tenir dans cet incessant, ininterrompu va-et-vient de la distance la plus extrême à la plus proche familiarité : en mouvement ..."

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

" Ses dessins . IL ne dessine qu'à la plume ou au crayon dur, le papier est souvent troué, déchiré. Les courbes sont dures, sans mollesse, sans douceur . IL me semble que pou lui une ligne est un homme: il la traite d'égal à égal. Les lignes brisées sont aiguës et donnent à son dessin une apparence scintillante. Diamants; Diamants encore plus à cause de la façon d'utiliser les blancs... Cela donne d'extraordinnaires joyaux grâce à ces blancs, où un dessin invisible se trouve sous-entendu, la sensation d'espace est obtenue avec une force qui rend cet espace presque arpentable . "                 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

" La nuit en nous depuis notre naissance

éclaire le songe où des papillons perdent leurs couleurs.

Sur nos draps les ailes froissées du jour

butent contre l'arbre à résine.

Dans le silence des matins errants,

lavés du spouçon et d'ombre,

nous nous levons dans l'immensité du secret,

notre patrimoine, notre passion,

pour dire l'incompréhension du monde. "

 

Tahar Ben Jelloum

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

César

 

 

" César , Transmission de pensées"

par Jean Nouvel

 

"10 ans, le temps passe... 10 ans que tu ne m'exprimes plus tes doutes, tes peurs, liés au sens de tes explorations, liés à ton incompréhension du manque de reconnaissance et évidemment à ton angoisse de l'oubli ... les souvenirs s'estompent. Parmi eux restent des éclats de lumiére, des éblouissements.

L'art témoigne longtemps aprés d'attitudes datées qui deviennent des points de repère.La vie d'un artiste est marquée par ce qu'il a su extraire du temps, de son temps, parce qu'il nous a obligés à voir, puis à regarder alors que nous ne l'avions pas identifié.

 

Ces poings, ces mains, ces doigts, ces seins, échantillons du corps humain, emblèmes de la sensualité agrandis dans une perfection anatomique allant jusqu'à l'empreinte digitale, le grain de la peau ou le pore, jusqu'à cet étonnement d'entomologiste sur la bizarrerie de notre espèce humaine. Révélation et dissociation de la forme et des fragments par les matériaux, les couleurs et les échelles différentes.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Puis il y a cette matiére qui coule et soudain se fige dans son mouvement, dans son glissement, dans son gonflement, cette parfaite brillance, lisse à caresser, qui vient de nulle part, qui ne va nulle part mais qui est là,fiére de la perfection de son galbe .

 

 

 

 

Ces masses d'acier concentrées,densifiées, enchevêtrées, pliées, contraintes,qui expriment à la fois un passé mécanique et des futurs à répétition dont d'autres artistes révéleront peut-être les cycles .

Ce sont là ts extractions des profondeurs d'un XXe siécle qui se consumait dans l'acier, se questionnait sur les dimensions de l'homme et de l'univers et jouait aux apprentis sorciers avec des matériaux non identifiés et chimiquement modifiés. Ne doute plus César, tu es non seulement reconnu mais identifié : Compresseur; Agrandisseur; Expanseur . "

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nicolas de Staël

 

 

"Aller jusqu'au bout de ses déchirements jusqu'à leur tendresse"

 

Nicolas de Staël né à Saint-Petersbourg en 1914 et jusqu'à son suicide n'a conservé de son ascendance slave que le romantisme et le désespoir. Proche du tsar, son pére est vice-gouverneur de la forteresse Pierre-et-Paul. La révolution russe de 1917 contraint sa famille à s'éxileren Pologne, où meurent ses parents. Orphelin,il est receuilli par un couple russe de Bruxelles ; il s'est alors mis à étudier la peinture dés l'âge de 16 ans. Il quitte sa famille adoptive pour voyager en Espagne, puis au Maroc. Rentré à Paris en pleine occupation avec une compagne malade et une petite fille, il connaîtra une grande pauvreté, en même temps qu'il découvre la peinture abstraite.

 

Parti de formes géométriques, Staël, peut-être sous l'influence de Georges Braque, avec qui il se lie, découvre peu à peu la force de la couleur pure et des formes libres . Son évolution est trés rapide. Les commandes se multiplient, c'est Paul Rosenberg qui le prend sous contrat à New York. Staël s'installe un moment à Ménerbes ( Vaucluse ) dans une admirable demeure qu'il vient d'acheter .

 

Là , sa maison à Ménerbes, village où a séjourné aussi pendant de nombreuses années Dora Maar. Trés joli endroit ....

 

 

Puis il se fixe à Antibes, toujours travaillant à des nus, des paysages, des scénes de concert, qui sont parmi les plus belles toiles qu'on connaissent de lui. Imprévisiblement, incompréhensiblement, il se suicide le 16 mars 1955, en se jetant du haut de son atelier, situé sur les remparts d'Antibes.

 

 

 

De la force, il en possédait à revendre. Il était grand-immense-avec une voix de basse, profonde, incroyablement russe. Un visage long, trés beau, à la fois rieur et mélancolique, qui gardait quelquechose de l'enfance ou d'une nostalgie. Plus impatient qu'angoissé, avec de brusques bouffées de colére, des flambées d'orgueil et la brouille facile, souvent pour des raisons obscures .

Comme Delacroix , il était sensible à la musique ; ce goût pour la musique d'ailleurs réflétait bien son choix de vie , dans un univers de sensations, des plus frustres au plus élaborées.Il semble qu'il ait toujours été affamé de ce que la vie pourrait lui donner de plus immédiat, et quoi de plus fort que les images offertes par la peinture ?

 

 

" Je veux réaliser une harmonie. Je me sers d'un matériau qui est la peinture. Mon idéal est déterminé par mon individualité et l'individu que je suis est fait de toutes les impressions reçues du monde extérieur depuis et avant ma naissance ."

 

 

 

 

L'oeuvre de Nicolas de Staël appartient à un registre élevé dans lequel s'exprime le passionnel et le lyrisme comme si le destin lui avait imposé tout au long de sa vie une trajectoire pour faire naître un nouveau rapport esthétique avec le réel.

Attendre tout d'un art que l'on pratique d'instinct, en exalté, retrouver le chemin d'une réalité perdue avec des moyens entiérement neufs, mais étroitement dépendants de moyens d'expression qui seront bientôt périmés, c'est une conduite devenue tellement insolite qu'elle devait forcément se briser, s'anéantir.

Nicolas de Staël, au travers sa peinture, recherchait l'absolu.

 

 

"Toute ma vie, j'ai eu besoin de penser peinture, de voir des tableaux, de faire de la peinture pour m'aider à vivre, pour me libérer de mes impressions, de toutes les sensations, de toutes les inquiétudes auxquelles je n'ai trouvé d'autre issue que la peinture."

 

 

 

Peter Beard

Peter Beard est un photographe à deux visages : dandy à New York, aventurier en Afrique. Son œuvre est le fruit de la fusion improbable de ces deux univers. Au service de ce continent.



La lecture d’Out of Africa change sa vie. Peter Beard a 17 ans. Il se rend sur le continent africain, porté par les mots de Karen Blixen, auteur de l’ouvrage. Six ans plus tard, il achète un immense territoire de seize hectares, qu’il nomme Hog Ranch. Son égérie, Karen Blixen, habite une ferme voisine.





Le travail de Peter beard dépasse le cadre de la photographie. Vivant au contact des animaux, il les inclue dans ses compositions. Sur ses images, bien sûr. Mais pas seulement. Ses carnets sont mondialement célèbres. Beard transforme ses clichés en œuvres d’art, en utilisant du sang d’animaux, des dessins, qui lui permettent de briser les barrières de la photographie



Grand admirateur du peintre Francis Bacon, Peter Beard passe une partie de son temps dans les salons mondains. Il côtoie notamment Andy Warhol, le roi du Pop Art, l’écrivain Truman Capote ou les Rolling Stones, alors au sommet de leur gloire. Ses rencontres exercent une influence considérable sur son travail artistique. La destructuration chère à Warhol, l’ironie de Capote ou la folie des Stones : ses carnets sont tout cela à la fois. Avec en fil rouge, l’analyse de la relation entre l’être humain et les animaux en Afrique.



































Le jugement est sévère et la lutte ne l’est pas moins. Il se bat contre les braconniers, en faisant poser une femme nue avec la plus grande défense d’éléphant du monde, ou en enfermant un poseur de pièges dans son propre jeu. Engagé, il défend les espèces en voie de disparition. Le titre de son premier livre, The end of the game, paru en 1965, raisonne alors comme un signal d’alarme. Aujourd’hui âgé de 60 ans, Peter Beard n’a pas fini son combat :

« Nous détruisons tout ce que nous touchons. Dans quelques années, le continent africain sera sans doute complètement dévasté. Il y a vingt ans, le soir, on entendait le rugissement des léopards. Maintenant, ce sont les chiens des voisins qui aboient au passages des bennes à ordures. »

«Il n’y a pas cinquante ans encore, l’homme devait se protéger contre les fauves ; ce sont aujourd’hui les fauves qu’il faut protéger contre l’homme», écrit Beard, avant de rendre hommage à «l’essence de la vie africaine, l’animal». S’attachant à l’éléphant, savamment liquidé au fil des années, Peter Beard en saisit la force et la solitude, puis clôt son histoire par une série de photographies poignantes. Des cadavres d’éléphants inscrits dans le sol comme des cicatrices, tas d’os gigantesques blanchissant sans défense sous le soleil…"

pour finir ce magnifique témoignage de Verschka qui a travaillé avec peter Beard



je trouve cette démarche trés intéressante , cette communion esthétisante avec la nature environnante;
Pour cela l'Afrique a une puissance et un fort pouvoir ,je comprends que Peter Beard ai été conquis ...
je trouve son travail tout à fait remarquable et ses collages sont vraiment émouvants et troublants .


proverbe peule :

" Personne - quel que soit son degré -
ne voit jamais le sommet de son propre crâne ;
pour y voir clair , vient toujours un moment
où l'on a besoin de l'aide d'un tiers . "

la muse

L'homme de ma vie est un artiste .
Il y a quelques années , il a fait ce tableau où je suis rêveuse , perdue dans mes pensées ...
A chaque fois que je regarde cette toile , je suis touchée de voir à quel point l'émotion d'avoir été ainsi inspiratrice est forte et aussi intacte qu'au premier jour ...



"même sommeil , même réveil
nous partageons nos rêves et notre soleil "

Eluard

expo

"j'aime laisser l'oeil caresser les taches pour venir reconstruire l'identité d'une rencontre ..."

Christophe Miralles