Joan Mitchell

 

" Peindre c'est une manière de se sentir vivre."

- Joan Mitchell -

 

 

" Sentir, exister vivre, je pense que c'est la même chose, mais la qualité n'est pas la même. Exister, c'est la survie, cela ne veut pas nécessairement dire sentir. Vous pouvez dire bonjour et bonsoir. Sentir, c'est quelque chose de plus, ce n'est pas simplement survivre."

- Joan Mitchell -

 

 

Joan Mitchell est née en 1925 à Chicago. Elevée par sa famille fortunée, son père était un médecin célèbre, elle se tourna très vite vers les arts. En 1942, elle s'inscrivit au Smith College qu'elle quitta en 1944 pour le Art Institute of Chicago. Elle y reçut son diplôme (Bachelor of Arts degree) en 1947 et un autre diplôme (Master of Fine Arts) en 1950. Elle étudia aussi à l'école de Hans Hofmann à New York et voyagea en France, Espagne et en Italie. Dans les années 1950, elle était considérée comme un élément essentiel de l'École de New-York.

Son travail a été influencé à ses débuts par Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Wassily Kandinsky, puis par Franz Kline et Willem de Kooning, entre autres.

En 1955 Joan Mitchell s'installa en France pour rejoindre son compagnon le peintre canadien Jean-Paul Riopelle, avec lequel elle eut une relation longue, riche et tumultueuse. Ils n'habitèrent pas ensemble et conservèrent des ateliers séparés, mais dinaient et buvaient ensemble tous les jours. Ils habitèrent d'abord Paris, avant de déménager à Vétheuil, un village du bord de la Seine près de Mantes-la-Jolie dans la maison où vécut Claude Monet avant de s'installer à Giverny.

Elle mourut à Vétheuil en 1992.

Les œuvres de Joan Mitchell sont souvent de grandes dimensions, couvrant deux panneaux. Ses tableaux sont très expressifs et émouvants.

(Source Wiki)

 

 

" Je veux simplement faire qu'une surface fonctionne. c'est juste une utilisation de l'espace et de la forme, une ambivalence des formes et de l'espace. Le style en peinture a à voir avec les étiquettes. beaucoup de peintres sont obsédés par la volonté d'inventer quelque chose. Tout ce que je voulais, c'était peindre. j'avais une telle admiration pour les grands peintres. Si tu étudies de près un Matisse, la manière dont la peinture est poséee et la manière dont le blanc est mis. Moi, je voulais poser la peinture comme Matisse. J'y ai travaillé dur il y a très longtemps."

- Joan Mitchell -

 

 

 

 

 

Missticienne...

- Miss-Tic -

 

Antoni Tàpies

 

" Une oeuvre, c'est une réflexion continuée toute une vie. Une réflexion sur les mystères éternels auxquels l'homme est confronté."

- Antoni Tàpies -

 

 

 

 " Le tableau devait être une chose, un objet investi par l'artiste d'une énergie mentale, d'une sorte de charge électrique qui, touchée par un spectateur à la sensibilité appropriée, déclenche des émotions déterminées."

- Antoni Tàpies -

Artiste autodidacte, Antoni Tàpies a été reconnu très tôt aux Etats-Unis. Dans les années 1950, se détournant d’une abstraction française qu’il estime "trop élégante", il mêle à la couleur des matériaux comme le sable et le plâtre, réalise des collages avec des journaux ou des bouts de ficelle.

A la fin des années 1960, il compose des tableaux-objets, tandis que sur certaines de ses toiles apparaissent des croix (en fait deux T, le premier étant celui de son nom, le second la première lettre du prénom de son épouse, Teresa). La figuration n’est pas absente de cette œuvre qui semble abstraite, en témoignent notamment ces fragments de corps (des pieds, des morceaux de torse faisant allusion à des crucifixions).

Il détestait Dali.

Farouche opposant au régime franquiste, Antoni Tàpies n’a jamais exposé en Espagne durant le règne du général Franco. Détestant Dali (qui, lui, n’avait pas hésité à se compromettre avec le régime), ami de Miro, Antoni Tàpies avait créé en 1984 à Barcelone une Fondation qui portait son nom. Destinée à promouvoir l’art moderne et la jeune création, celle-ci abritait aussi une galerie et une bibliothèque.

Car Tàpies était un bibliophile averti, qui possédait une impressionnante collection d’ouvrages anciens mais aussi de tableaux de maîtres (Picasso, Miro, Masson, Klee, Schwitters, ou encore Ernst). Il collectionnait également les objets d’art du Japon, de Chine, d’Afrique ou d’Inde, objets dont il s’inspirait parfois dans ses propres dessins ou tableaux. Catalan, humaniste, peintre, dessinateur, Antoni Tàpies était un géant. Et les géants, on le sait, ne meurent jamais.

 

- Bernard Genies -

 

Antoni Tàpies est né en 1923 à Barcelone dans une famille cultivée de la petite bourgeoisie, militante farouche de la cause catalane. Au XIXe siècle, ses ancêtres publièrent et vendirent des livres. Héritier de cette lignée de lettrés, il en a toujours beaucoup lu, avec un appétit sans faille. Comme Proust et nombre de créateurs, une maladie pulmonaire l'a contraint jeune à l'isolement et au repos forcé. La lecture y a trouvé son compte. Mais aussi le dessin et la peinture, deux penchants qui le poussèrent à abandonner ses études de droit. Dans les années 1940, il exposait déjà ses toiles révolutionnaires de forme et de fond qui firent sensation dans le milieu artistique d'alors.

La matière comme language.

Comme nombre d'artistes de l'après-guerre, Tàpies ressentit l'effroi de la bombe atomique qui avait mis fin si cruellement au conflit mondial. On le ressent encore aujourd'hui devant ses toiles où la terre, la poussière, les atomes et les particules disaient la fragilité des choses et le retour de l'être humain au néant. Pour traduire sa vision du monde dévasté,vaincu et choqué, il employa des matériaux qui n'étaient pas académiques. La matière était le langage même d'Antoni Tàpies. Elle l'est restée dans toute sa longue vie d'artiste. Ses tableaux se reconnaissaient toujours, tout de suite, et vous emmenait dans un no man's land, entre la Lune et le cimetière des rêves. Antoni Tàpies aimait souligner la part de mysticisme propre à cette matière commune, comme la magie des alchimistes qui transformaient l'ordinaire, voire le vil, en trésor. Il voulait que ses tableaux fassent de même avec le spectateur.

Dans les années 1950 et 1960, Antoni Tàpies créa des séries d'images puisées directement dans son environnement. L'évolution de l'image renvoyait au regard de l'artiste qui voulait que le nôtre apprenne à réévaluer ce qui était tenu pour bas. Le résultat pouvait être déplaisant, voire animal, voire terriblement humain comme les fonctions les plus trivialement organiques, mais aussi comme un pied, une aisselle... Le peintre catalan laissait rarement indifférent. Il avait ses adorateurs, toujours des goûteurs de grande peinture, et des réfractaires qui passaient vite devant ces visions de la Terre devenue désert et des hommes devenus des créatures. En pur Catalan de nom, d'histoire et de culture indépendantiste, Antoni Tàpies a continué à regarder sans fards les évènements politiques et sociaux de son temps. À la fin des années 1960 et au début des années 1970, son discours artistique et son engagement politique contre le franquisme et le poids de la culture castillane ont donné à ses œuvres une profondeur plus sombre. Il coïncida alors avec d'autres mouvements concomitants, l'Arte Povera en Italie, le post-minimalisme américain. Il incorpora de plus en plus d'objets à ses oeuvres. Il ne renoua vraiment avec la toile que dans les années 1980 lorsque la démocratie revint en Espagne. L'artiste revient toujours à ses premiers rêves. Avec sa disparition, le XXe siècle espagnol perd une de ses dernières grandes figures historiques.

- Valérie Duponchelle -

 

Proche des mouvements dadaïstes et surréalistes, il ne se définissait ni comme un peintre ni comme un sculpteur mais plutôt comme un poète qui se laissait mener par ses sensations et ses émotions. Ses œuvres étaient selon lui des talismans, objets magiques destinés à guérir les hommes de leurs angoisses. Abandonnant la peinture au profit des matériaux pauvres, argile, bouts de ficelle, terre, cheveux, Antoni Tapies fut l'un des premiers artistes à intégrer à ses toiles des objets, voire même des pièces de mobilier. Les matériaux présentaient pour lui une réelle charge expressive à exploiter. Le signe de la croix omniprésente dans ses œuvres évoquaient pour l'artiste le souvenir des cimetières liées aux guerres civiles et mondiales. J'aime cette idée de l'art agissant comme un baume et permettant de réagir aux violences du monde...

Vivant

- Toile de Françis Bacon -

 

Vivant. Vivant comme un matou humant la bagarre qui se glisse entre les faisceaux de la lune et les échos des ruelles. Comme Custer enfilant ses bottes à Little Big Horn. Comme un chrétien dans l'arène, comme les cancrelats quand j'allume l'ampoule des toilettes, comme la truffe à l'approche de la truie, comme la truie à l'approche de l'abattoir, devinant un au-delà de bacon et de chair à saucisse, comme une souffrance d'amour un soir d'orage brûlant quand ça tonne tant qu'on jurerait que Dieu déplace des meubles là-haut. Et puis vivant comme Essex au retour d'Irlande, comme Fredo Corleone récitant un Ave dans sa chaloupe, comme la flamme flottant haut sur un bout de chandelle, vivant comme seul peut l'être ce qui va tantôt mourir, ainsi faudrait-il pouvoir se sentir en pleine conscience à chaque heure de chaque jour, mais c'est difficile en sacrement.

- Christian Mistral -

 

Visages

 

" Le visage humain fut toujours mon grand paysage."

- Colette -

 

Bleu de Prusse

Je vous invite à découvrir le sensible et subtil premier recueil de poèmes de Guillaume Lajeunesse, notre VieuxG. tribal, magnifié par les illustrations de Stéphanie Locas.

Un vrai petit bijou...

 

Hivernal

- Photographie Gilles Berquet -

 

 Quel métier! Maintenant que les collections d'été arrivent en boutique, il se met à neiger...

 

Parce qu'elle me touche... profond.

 

- Catherine Major - Le désert des solitudes -

 

De la sagesse

- Gustave Moreau -

 

 

"Je méprise cette sorte de sagesse à laquelle on ne parvient que par refroidisement ou lassitude."

- André Gide -

 

 

Gisèle Freund

- Gisèle Freund- Autoportrait -

Dans une exposition rétrospective comme dans une biographie, le plus difficile est de trouver les bons moments de rupture. Même lorsqu’ils s’imposent, il faut se méfier des évidences.  La galeriste Catherine Thieck et le directeur de l’Imec Olivier Corpet, les deux commissaires de l’exposition Gisèle Freund. L’œil frontière. Paris 1933-1940 à la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint-Laurent (jusqu’au 29 janvier) ont bien eu raison de céder à leur instinct en l’organisant autour de ses deux moments de fuite : 1933 lorsqu’elle est chassée d’Allemagne, et 1940 lorsqu’elle est chassée de France. Dès lors, tout dans la vie de Gisèle Freund (1908-2000) se cristallisa autour de cette hantise du départ précipité, de la perspective angoissante d’être rejetée avant d’être jetée. Imaginez qu’elle projeta leurs portraits à « ses » écrivains, tous ou presque réunis un soir  de 1939 dans la librairie de son amie Adrienne Monnier rue de l’Odéon ; dans son souvenir, si aucun n’apprécia son image, tous goûtèrent celle des autres. André Breton disait que vus par elles, les écrivains avaient tous des gueules à revenir tout juste de la guerre. La technique ? Un Leica, des pellicules Agfa et Kodak, un certain regard, pas de studio ni de retouche, pas davantage de grand angle ni de flash, une approche sensible, Nadar pour référence, une manière d'empoigner l'Histoire et quelque chose comme une morale de l'image. Son ambition était clairement affichée : constituer une galerie de portraits d’écrivains en couleurs, qui nous apparaissent aujourd'hui comme des lueurs pastellisées et datées d'autrefois – ce qui ne dispense par les organisateurs de montrer ses noir et blanc, ne fût-ce que pour rappeler que l’écrivain comme sujet primait sur l’aspect technique du projet. Chacun de ces visages raconte une histoire. On ne se lassera pas de répéter que l'histoire littéraire de ce siècle doit payer sa dette à ses portraits car ce qu'elle a capté et restitué là, nul autre n'a su le faire, et surtout pas des essayistes, des interviewers ou des critiques. "L'oeil n'est rien s'il n'y a personne derrière"disait-elle souvent.

Elle lisait les écrivains et ils le savaient, le sentaient à sa manière de leur parler intelligemment de leurs livres plutôt que de leurs chaussures. Stephen Spender, Victoria Ocampo, Vita Sackeville-West, Jean Cocteau, Henri Michaux, Walter Benjamin, Henri Matisse, Elisabeth Bowen, Frida Kahlo, Colette, Marguerite Yourcenar, T.S. Eliot, André Malraux,  Henri de Montherlant, Jean-Paul Sartre, Virginia Woolf, Simone de Beauvoir, Esla Triolet… Elles les aimaient vraiment et n’essuya guère de refus à l’exception notable de Roger Martin du Gard. Un rejet catégorique aux antipodes de la générosité d’un James Joyce qui lui accorda trois séances lorsqu’il apprit qu’à la suite d’un accident de taxi, elle craignait que les négatifs de ses portraits fussent endommagés. Le fonds qu’elle a légué à l’Imec est si riche, pas seulement en tirages (1200), négatifs (1600), diapositives (8200), contretypes (1000), mais également en manuscrits et documents (34 boîtes d’archives personnelles et professionnelles) ainsi que sa bibliothèque, qu’il nous permet de prendre la mesure de la théoricienne de l’image qu’elle fut, qualité assez rare chez les photographes (sa thèse sur La photographie en France au XIXème siècle. Essai de sociologie et d’esthétique, qui tendait à démontrer comment la photographie avait démocratisé le portrait, a été soutenue en 1936 –encore que l’on pourra toujours se demander s’ils sont les mieux placés pour se faire l’exégète de leur art). Il est vrai que peu d'entre eux ont été jusqu'à prolonger leur regard par des réflexions sur sa nature. Gisèle Freund avait fini par incarner "la" portraitiste d'écrivain par excellence, même si son champ d'observation a été plus large ; ses successeurs savent tous ce que leur art, et, au-delà d'eux, l'histoire littéraire, doivent à son regard ; François Mitterrand ne s'y était pas trompé qui lui avait commandé son image officielle aussitôt installé à l'Elysée. "Son ressort secret a toujours résidé dans l’entrelac de la théorie avec la pratique" remarque André Gunthert dans sa préface à la réédition de la thèse chez Christian Bourgois. Au fond, la prouesse de ce genre d’hommage, qui ne peut faire l’économie de présenter les icônes d’une œuvre, toutes ces photos que l’on a tant vues et revues, est de nous forcer à passer outre leur banalisation par une société dévoreuse d’images en nous révélant des pépites, des inédits, et parfois même en nous faisant découvrir autrement ce que nous avions l’illusion de connaître pour l’avoir trop hâtivement reconnu.

- Pierre Assouline -

 

"Je n'ai jamais photographié que des auteurs ou des artistes que j'aimais et que j'avais envie de raconter."

- Gisèle Freund -

 

Grâce à Laure, j'ai découvert la forte personnalité de Gisèle Freund. Au travers de l'exposition de photos " L'oeil frontière" mais plus encore par la conférence que Christian Caujolle a tenu dans la soirée de jeudi. Ce qu'il nous a dit pendant plus d'une heure sur Gisèle, son caractère, sa créativité, ses idées, sa manière d'être au monde ainsi que sa manière d'appréhender la photographie ont donné une dimension supplémentaire, un relief, une densité à son travail tout à fait stupéfiants. Parfois il est bon aussi de mettre des mots sur une démarche artistique qui semble pourtant parler d'elle-même. J'ai trouvé pour ma part l'expérience fort intéressante et fort enrichissante alors que je suis plutôt réfractaire à de prime abord donner trop vite un sens à mes émotions. Là, toutes les anecdotes et toutes les impressions et les connivences que Christian Caujolle relataient à propos de Gisèle nous la rendaient soudain plus proche, comme si elle était là dans la pièce avec nous à sourire et à acquiescer les propos de son ami. C'était d'ailleurs sans doute cette aprroche amicale et sensible de l'artiste qui a permis cette intimité. Nous n'étions pas à un cours magistral sour l'oeuvre de Freund mais à une sorte de réunion entre amis. Je m'y suis bien sentie et j'ai eu envie d'en voir davantage, d'en apprendre encore sur cette femme au travers de ses photos, ses rencontres, ses amours, ses affinités avec le monde des arts, je me sentais tellement en congruence avec elle. Alors j'ai exploré et déniché d'autres images. J'y ai retrouvé cette écriture propre à Gisèle freund, car cette femme écrit ses images, elle fait de chacun de ses portraits un récit. C'est tout à fait fascinant et particulièrement en symbiose avec son amour sans fin pour la littérature et ceux qui la produisent, ainsi que son amour de l'art et cette présence de l'humain derrière chaque oeuvre qu'elle quelle soit. Gisèle avait l'oeil perçant et le coeur à la bonne place, ses images nous le disent et nous transmettent une perception du monde unique, la sienne. J'aurais aimé croisé la route et l'objectif de cette femme là!

 

"Personne ne se voit tel qu'il paraît aux autres. Nous habitons notre visage sans le voir, mais nous exposons cette partie du coprs au premier venu qui nous croise dans la rue."

- Gisèle Freund -

 

 

" Je ne sortais jamais plus sans mon appareil. Il était devenu mon troisième oeil."

- Gisèle Freund -

 

 

"J'ai toujours considéré le portrait comme un reportage."

- Gisèle Freund -

 

 

Arc-en-ciel

 

J'aime,

L'aube de tes prunelles

Le couchant de ta bouche

L'érable de tes gestes

Le miel de toi...

 

Rosa la vie

- Hommage à Rosa Luxembourg de Riopelle -

 

Lettres de prison, 1915

 

" Imginez-vous qu'ici, dans le voisinage, il y a quelque part une oie, je veux dire une vraie oie avec des plumes. Elle crie parfois, ce qui m'enchante; cela se produit, hélas! trop peu souvent. Savez-vous pourquoi j'aime tant cela? je viens de le découvrir: le caquetage des poules et le coin-coin des canards ont des accents authentiquement maternels et soucieux d'animaux domestiqués depuis longtemps. Mais le cri de l'oie évoque tout à fait l'oiseau sauvage, non apprivoisé, qui émigre en hiver vers le sud; il fait songer au vol orgueilleux, à l'appel amoureux par-delà de lointaines distances... En vérité, quand j'entends ce cri inarticulé de l'oie, quelque chose en moi trésaille de nostalgie -- la nostalgie de quoi? Tout simplement des horizons lointains du monde. Sacredieu, par tous les diables! que ne puis-je moi aussi voler, loin, loin d'ici, aussi loin qu'une oie sauvage!"

- Rosa Luxembourg -

 

 

 

 * Merci MmwH!

En cuisine, avec mon petit dernier...

Ordinateur portable au milieu de la préparation du purée-poulet, il m'invite à regarder deux phénomènes. On a ri ensemble, c'est si bon. Je partage!

 

 

 

 

 

 

 

 

Jean-Paul Riopelle

 

 

" La peinture, c'est une maladie, c'est un microbe qu'on a dû attraper un jour, pis on n'a pas moyen de le guérir."

- Jean-Paul Riopelle -

 

- Photos Yann Fravalo- Riopelle -

 

Jean Paul Riopelle commence sa carrière à l'École polytechnique en 1941 et fait des études en génie avec des cours en architecture et en photographie. Son enthousiasme d'enfant pour la création artistique devient un passe-temps à cette époque et il se décrit lui-même comme un peintre du dimanche avec un style académique et contraint. En 1942, il s'inscrit à l'École des beaux-arts de Montréal, puis change son orientation pour l'approche moins académique de l'École du meuble où il obtient son diplôme en 1945. Là, il étudie auprès de Paul-Émile Borduas, un professeur extrêmement dévoué à ses étudiants et qui leur accorde beaucoup de liberté. C'est sous la direction de Borduas que Riopelle fait sa première peinture abstraite. Borduas et plusieurs de ses étudiants, dont Riopelle, forment un groupe qui travaille, se fréquente et expose ensemble (1942-1945). Le groupe se fait connaître sous le nom d'automatistes pour leur méthode spontanée de peinture qui puise à l'inconscient comme à une source. En 1946, Riopelle fait son premier voyage en France où il retourne et s'établit l'année suivante. En 1948, Borduas écrit le manifeste Refus global que signent plusieurs de ses étudiants, notamment Riopelle.

 

Riopelle présente sa première exposition solo au lieu de rencontre surréaliste, la Galerie La Dragonne, à Paris en 1949. Durant la fin des années 1940 et le début des années 1950, il se lie d'amitié avec des artistes, écrivains et propriétaires de galeries, notamment Georges Mathieu et Pierre Loeb, qui le présentent à André Breton. Il rencontre également Jean Arp et Antonin Artaud à la Galerie Loeb.

Riopelle crée un style de peinture où il applique en épaisseur avec une truelle de grandes quantités de couleurs sur la toile, comme dans Pavane (1954) et La roue II (1956). Durant les années qui suivent, l'artiste connaît un succès grandissant et s'intègre toujours davantage dans le milieu culturel parisien. Il est représenté à New York et participe aux biennales de l'art contemporain à Venise (1954) et à Sao Paulo (1955). Il passe ses soirées dans les bistros de Paris avec ses amis, notamment le dramaturge Samuel Beckett et l'artiste Alberto Giacometti.

 

Dans les années 1960, Riopelle renouvelle ses liens avec le Canada. Des expositions sont présentées au Musée des beaux-arts du Canada (1963) et le Musée du Québec organise une rétrospective en 1967. Au début des années 1970, il se construit une maison et un atelier dans les Laurentides. À compter de 1974, il consacre son temps entre Sainte-Marguerite au Québec et Saint-Cyr-en-Arthies en France. Riopelle participe à sa dernière exposition en 1996. De 1994 à sa mort, il vit tantôt à Sainte-Marguerite, tantôt à l'Île-aux-Grues au Québec.

 

" La nature reste une énigme: on ne la perçoit jamais dans sa totalité. Elle est comme moi, toujours entrain de partir."

- Jean-Paul Riopelle -

 

 

 

" Le fait de me reculer quand je peins: le tableau est fini. Ou je le détruis, ou il est fini."

- Jean-Paul Riopelle -

 

 

 

 

Une belle, généreuse, rassérénante et créative 2012 à tous!

 

 - Christophe Miralles -

 

Visite éclair à Nantes

Je ne connais pas du tout cette ville, je n'y suis jamais allée, Pat y est né. Aujourd'hui, dans quelques heures je vais découvrir celle qu'on appelait la Venise de l'Ouest dans toute sa splendeur. Un aller-retour sue la journée grâce au TGV Atlantique. Une pause bretonne dans ma vie nordiste. 

Plus exactement le but de ma visite est là, dans le passage Pommeraye, la galerie des statues. Je vais y voir à quoi ressemblera mon lieu que je transforme. J'espère ne pas être déçue et au contraire revenir de cette virée chargée à bloc et l'imaginaire émoustillé! A voir!