Agnès Thurnauer

Y a-t-il un art « féminin » ?

- Toile Agnès Thurnauer -

 

" La vertu des noms est d'enseigner ", dit le Cratyle de Platon. L'importance du language chez Agnès Thurnauer et de la nomination dans cette appropriation féminisante (comme Cézanne parlait des sensations colorisantes) de la peinture est ainsi à considérer comme l'armature de ses signes, comme "le châssis" sur lequel se fonde son tissu artistique, à la peinture émaillée ou pas, indifférent à sa facture.

- Elisabeth Lebovici -

 

- Toile Agnès Thurnauer -

«Il est probable que dans la vie comme dans l’art les valeurs ne sont pas pour une femme ce qu’elles sont pour un homme. Quand une femme se met à écrire un roman, elle constate sans cesse qu’elle a envie de changer les valeurs établies – rendre sérieux ce qui semble insignifiant à un homme, rendre quelconque ce qui lui paraît important. Et naturellement, le critique l’en blâmera ; car le critique du sexe opposé sera sincèrement étonné, embarrassé devant cette tentative pour changer l’échelle courante des valeurs ; il verra là non simplement une vue différente, mais une vue faible ou banale ou sentimentale parce qu’elle diffère de la sienne.»

- Virginia Woolf -

 

- Toiles d'Agnès Thurnauer -

 

- Auto-portrait agnès Thurnauer -

 

 

Denis Rival

 

Marc et Sophie sont de vieux amis, nous avons en commun une manière de vivre, l'appétit du beau et de l'authentique et un certain regard sur l'art contemporain. Ensemble nous avons eu le même attrait et le même irrésistible penchant pour l'art africain, nous partageons une sorte de philosophie commune quant à notre avenir et notre aptitude à le faire nôtre, sachant les uns et les autres que nous avons entre nos mains notre destin. Conviés à une garden party pas ordinaire, nous ne pouvions Pat et moi absolument louper cela d'autant que par la plus grande des chances ils eurent pour eux un ciel clément et une température douce. Marc a toujours aimé la peinture et faire découvrir ses coups de coeur. Denis Rival n'est pas nouveau dans sa carte du monde, voilà plus de vingt ans qu'il nous en parle et qu'il défend son art. Le re-découvrir ainsi, au milieu de la verdure, a été source de joie et d'enthousiasme. Les touches de couleurs vibrantes de Rival résonnent on ne peut mieux avec l'environnement et sa peinture captant l'instant et toute sa magie a trouvé magistralement sa place dans ce cadre comme agencé pour elle.

 

 

" Regarde la lumière et admire sa beauté. Ferme l'oeil et regarde; ce que tu as vu d'abord n'est plus; et ce que tu verras ensuite n'est pas encore."

- Léonard de Vinci -

 

- Denis Rival et son épouse -

 

" Comment regarder un tableau pour le comprendre? m'a-t-on innocemment demandé. Come si je pouvais révéler la formule magique ou mathématique ui ouvre les yeux à la beauté, à la vérité objective ou sublective! Comme si je pouvais réduire, entre les peintres et les amateurs d'art dont William Blake affirme qu'elles rendent les hommes égaux- une égalité idéale n'ayant d'autre fin, par ailleurs, que d'aider chacun à déterminer sa propre personnalité. A la mesure des régles humaines, les régles de l'art sont profondément variables. Les vérités s'entrecroisent, les lumières s'éteignent et se rallument, la confiance et l'inquiétude, l'habileté et la naïveté, la connaissance et l'intuition concourent à un même but: la vérité de la beauté et la beauté de la vérité, pour le plus grand plaisir de la raison."

- Paul Eluard -

 

 

" Comment pourrais-je indiquer un itinéraire quand je vais moi-même au long d'une multitude de sentiers imprévus? Je me fie à mon sens de l'orientation, à l'attraction qui me mène aux autres pour me ramener à moi-même. Je guette le miroir où, au détour d'une phrase, d'un regard semblable, en un éclair, se reflétera mon image, la phrase que j'ai envie de contresigner ou qui, du moins, éveille en moi un écho.

Je ne me promène pas parmi les livres et dans les musées coùùe dans un jardin rassurant, je risque l'aventure, même en des lieux que je croyais familiers. J'expore mon royaume ambitieux qui est celui de l'infini de l'homme, de sa volonté de cohésion. Je ne poursuis pas un mirage, j'essaie de gagner ma place au soleil, dans le choeur de l'invisible avenir. Je suis certain de n'en jamais finir avec l'ilumination sociale, fraternelle, pas plus qu'avec moi-même."

- Paul Eluard -

 

 

" Chez Denis Rival, dont je connais de l'homme, la modestie, l'estrême courtoisie, le sens inné du contact humain comme du partage, daonc la vive sensibilité; il y a aussi ce qui culmine de façon systématique dans son oeuvre, la générosité, le côté chaleureux, ardent, l'instinct spontané du beau sans académisme dans dans sa plus totale liberté."

- Pierre Noël Roy -

 

 

J'aime cette façon de découvrir un peintre, au milieu des plantes, au milieu de la vie, d'un quotidien, d'un lieu. Je trouve que ça donne une vivance de plus à la peinture, elle semble participer à la vie et paraît plus en possible symbiose avec l'humain. C'est une dimension charnelle qui me touche et qui exarcerbe les émotions que je peux ressentir; ça ouvre, je trouve. Inspirant et inspiré, javais le sentiment de participer, de faire corps avec l'exposition qui m'est apparue plus comme un art de vivre l'art qu'une manière de le vivre intelectualisée.

 

 

Marc trouve qu'il y a du Velazquez, du Lanskoy, du De Kooning dans la palette et le coup de pinceau de Denis, je ne saurais dire. Je réagis tellement toujours en néophyte devant n'imoorte quelle toile, neuve, naïve comme tentant de sonder le coeur de mon ressenti. Si je devais écrire ce que m'inspire les toiles de Rival, c'est le mot "joie lumineuse communicante" qui me vient à l'esprit. Sa vision du monde est musicale et énergétique me semble-t-il, en tout cas pour avoir deviser quelques minutes avec lui, elle n'est pas sombre du tout mais ouverte et sympathique, ça fait du bien.

 

 

 

 

 

Max Ernst

 

- Max Ernst -

 

Max Ernst était un peintre allemand (ou franco-allemand pour certains) de la mouvance dada, surréaliste puis pataphysique. Max Ernst est né à Brühl, en Allemagne. En 1909, il commence à étudier la philosophie à l'université de Bonn, mais il abandonne rapidement les cours pour se consacrer à son intérêt pour l'art. En 1913, il rencontre Guillaume Apollinaire et Robert Delaunay et part pour Paris, rejoignant à Montparnasse des artistes venant des quatre coins du globe. En 1918, il épouse Luise Straus, historienne d'art. Leur relation tumultueuse ne tiendra pas. L'année suivante, il rend visite à Paul Klee et crée ses premières peintures, impressions à la main et collages ; il expérimente différents supports et matériaux. Durant la Première Guerre mondiale, il sert dans l'armée allemande. Après celle-ci, rempli de nouvelles idées, il fonde avec Jean Arp et l'activiste social Alfred Grunwald le groupe dada de Cologne mais deux ans plus tard, en 1922, il retourne à la communauté d'artistes de Montparnasse à Paris. 

Expérimentant constamment, il invente en 1925 le frottage où il laisse courir une mine de crayon à papier sur une feuille posée sur une surface quelconque (parquet ou autre texture). Cette technique fait apparaître des figures plus ou moins imaginaires. Elle s'apparente à l'écriture automatique des écrivains surréalistes qu'il côtoyait comme Paul Eluard et André Breton bien sûr. L'année suivante, il collabore avec Joan Miro sur les designs pour Sergei Diaghilev. Avec l'aide de Miro, Max Ernst se lance dans l'élaboration d'une nouvelle technique, le grattage où il gratte le pigment de la toile. En plus de son aide à la diffusion du dadaïsme, il contribuait à la naissance du mouvement surréaliste à Montparnasse. Après une période passée avec les surréalistes, il quitte leur groupe en partie à cause de Breton qui voulait écarter l'ami de Ernst, le poète Eluard. En 1934, il commence à sculpter, fréquentant Alberto Giacometti. En 1938, l'héritière américaine Peggy Guggenheim achète un bon nombre d'œuvres de Max Ernst qu'elle expose dans son nouveau musée à Londres. 

 

Avec le début de la Seconde Guerre mondiale, Max Ernst est arrêté comme étranger ennemi, mais, avec l'aide du journaliste américain Varian Fry à Marseille, il réussit à quitter le pays en compagnie de Peggy Guggenheim. Ils arrivent aux USA en 1941 et se marient l'année suivante. Max Ernst vit à New York où, à côté des peintres d'avant-garde Marcel Duchamp et Marc Chagall qui ont fui la guerre en Europe, il aide au développement de l'expressionnisme abstrait parmi les peintres américains. 

 

Son mariage avec Peggy Guggenheim se termine par un échec et il épouse Dorothea Tanning à Beverly Hills, en Californie, en octobre 1946, lors d'une double cérémonie avec Man Ray et Juliet Bowser. Max Ernst s'installe alors aux USA à Sedona, en Arizona. En 1948, il écrit le traité « Beyond Painting » puis part voyager en Europe en 1950. En 1952, il devient satrape du Collège de Pataphysique. À partir de 1953, il s'installe définitivement à Paris et l'année suivante gagne les biennales de Venise. Grâce à la publicité occasionnée par cet évènement, il commence à connaître un certain succès financier. 

 

- Dorothéa Tanning et Max Ernst -

En 1963, il déménage avec sa femme dans une petite ville du sud de la France, à Seillans où il continue à travailler. Il crée les décors d'un théâtre et une fontaine dans la ville d'Ambois. En 1975, une rétrospective a lieu au Musée Solomon R. Guggenheim à New York et les Galeries Nationales du Grand Palais de Paris publient un catalogue complet de ses œuvres. Max Ernst meurt le 1er avril 1976 à Paris. Il y est enterré au Cimetière du Père Lachaise.

 

             

Dans sa petite oeuvre autobiographique Une vie familière de Max Ernst (racontée par lui-même à un jeune ami), l'artiste relate que, à l'âge de quinze ans, il a eu son premier contact avec le surnaturel, la magie, et la sorcellerie: la nuit du cinq janvier. Un de ses plus proches amis, un cacatoès rose qui était très intelligent et affectueux, est mort.  Cela a produit un choc terrible pour Max quand, le lendemain, il a découvert le cadavre mort et quand, au même moment, le père a annoncé la naissance d'une soeur...Une confusion dangereuse entre les oiseaux et les humains s'est fixée dans sa tête et s'est affirmée dans ses dessins et peintures.  (Museum of Modern Art 1961, pg. 3.)

" Telle est la vocation de l'homme: se délivrer de sa cécité."

- Max Ernst -

 

" On n'est pas certain de vivre dans le sens de celui qui nous est coutumier. Peut-être, dans ce cas, nos rêves ne sont-ils que des souvenirs? "

- Max Ernst -

 

" J'étais alors dans une auberge du bord de mer un soir pluvieux. J'eus une vision qui cloua mon regard sur les lattes du plancher sur lesquelles mille éraflures avaient laissé leurs traces. Je décidai de continuer le contenu symbolique de cette vision et je fis une série de dessins de ces lattes de plancher pour favoriser mes facultés méditatives et hallucinatoires. Je posai au hasard des feuilles de papier sur les lattes que je frottai au crayon noir. Lorsque je contemplai intensément les résultats de ces dessins, les endroits foncés et les autres, dans une pénombre douce et légère, je fus surpris par le renforcement soudain de mes facultés visionnaires…. Ma curiosité s'éveilla et je commençai, émerveillé, à expérimenter plein d'insouciance et d'espoir .Pour ce, j'utilisai les mêmes moyens, tous les matériaux qui se trouvaient dans mon champ de vision: les feuilles et leurs nervures, les bords revêches d'un lambeau de lin, le fil déroulé d'une bobine. Devant mes yeux, surgissaient des têtes d'hommes, des animaux, une bataille, des rochers, la mer..." 

 

- Max Ernst -

 

 

" L'art est un jeu d'enfant."

- Max Ernst -

 

 

 L'oeuvre de Max Ernst me touche loin, elle me parle de ma propre quête et vient en interaction directe avec ma réalité onirique. Il y a de l'humour, de la poésie, de l'enfantillage et une force communicative dans toutes ses toiles et collages. J'imagine un esprit curieux, jouissif, gourmand, ludique et éclectique, je ne ressens pas de ténébres ni d'angoisse dans sa vision du monde, plutôt beaucoup de douceur et de curiosité. Ce devait être un homme inspiré, inspirant, en paix avec lui-même et en contact fort avec son monde des rêves, cette seconde façon qu'on a tout à chacun d'être à la vie.

 

 

 

Il ne manquait pas d'humour ni d'impertinence comme en témoigne sa toile de La Vierge à l'enfant Jésus.

 

" Si ce sont les plumes qui font le plumage, ce n'est pas la colle qui fait le collage."

- Max Ernst -

 

 - C'est le chapeau qui fait l'homme -

 

 

 

" Max Ernst n'est pas un voyeur, c'est un voyant."

- Louis Pauwels -

 

 

Fièvre

- Toile Angelica Ferrant -

 

 

Qu'il est doux d'évoquer les anciennes audaces,

L'âme en brousaille et le cheveu folâtre,

Rebelle sans cause au regard épineux

Comme du chaparral farouchement sauvage,

Allant, contre le vent et la vague sage,

Fiévreux dans l'âpre bataille pour la vie,

La vitesse et le droit de ne jamais mourir.

 

- Christian Mistral -

 

 

Lille Art Fair 2012, voyage au bout de l'art...

 

Tous ceux qui passent ici connaissent mon intérêt pour l'art et plus particulièrement pour la peinture et la sculpture d'hier à aujourd'hui, nul n'ignore à quel point l'émotion que peut produire la rencontre avec une toile qui me touche ou une oeuvre qui me trouble compte pour moi. J'ai beaucoup avancé grâce à mes remue-méninges liés à ces rencontres et je continue de l'être, enchantée de ressentir combien c'est important, combien ça m'enrichit et combien ça émoustille mon imaginaire. Je ne risquais pas de louper cette 5 ème édition de la Art Fair Lilloise, d'autant que l'année dernière j'avais été particulièrement enthousiasmée de ce que j'avais pu y voir. Cette année encore, ce fut riche et remuant. Faut que je vous raconte...

Nous nous sommes décidés après le déjeuner familial dominical, le fameux poulet-purée partagé dans une ambiance détendue et animée. Pat était tout aussi motivé que moi. Le Grand Palais est à deux ou trois encablures de la maison, il faisait un temps frais et lumineux, une petite ballade digestive avec en dessert tant de belles surprises ne pouvait que nous faire le plus grand bien. Le grand YES de Jacques Villeglé plus connu pour ses collages que pour son oeuvre scuplturale nous a donné le ton avant même d'entrer. 

 

- Jacques Villeglé -

 

Et c'est avec Guy Ferrer que nous avons ouvert le bal!

- Guy Ferrer -

 

J'ai été incommodée dans mon plaisir par de fortes odeurs de cuisine, je suis peut-être chochotte  et sensible des naseaux, n'empêche que je n'ai pas apprécié la sensation en m'enfonçaont de plus en plus dans la foire. Sans doute ai-je besoin d'un peu plus de sérénité et d'élégance dans l'ambiance pour pouvoir apprécier à leur juste valeurs les oeuvres exposées et laisser venir à moi toutes les émotions qu'ells suscitent. Dieu soit loué, il n'y avait pas de musique ni d'annonces intempestives d'un haut-parleur criard. C'est une foire, oui, mais ça n'est pas la foire tout de même!

Il y avait un monde fou, tant mieux, ça fait toujours plaisir de voir autant de jeunes s'ouvrir l'esprit et puis beaucoup d'enfants aussi, il y a encore des parents qui pensent que c'est nécessaire pour leur épanouissement, c'est heureux. Mes parents n'étaient pas friands d'art pas plus qu'ils ne l'étaient de littérature, je suis une véritable autodidacte en ce domaine et je dois beaucoup à mon homme  qui m'a offert d'accéder à ce monde insensé et qui m'a cultivé en ce sens. Néanmoins je garde toujours mon regard d'ignorante, et me fiche souvent de savoir le comment du pourquoi préférant me laisser happer par ce que je ressens et ce que j'interpéte. Comme ce choc  que j'ai eu devant les toiles de Liu Zhengyong.

- Toiles de Liu Zhengyong -

 

"Un travail à l'huile qui traduit des sentiments profonds et lourds, qui reflètent le coeur, la pensée ou même des expériences complexes rencontrés dans la société. Une force dans la charge émotionelle qui donne au langage de Liu Zhengyong, une portée universelle." Un jeune artiste chinois de 32 ans...

Après être restée une bonne dizaine de minutes devant la toile de Liu, mon oeil et tout de moi furent attirés par une toile évanescente et lumineuse. Je m'approche plus près, le titre me ravit et m'entraine, la poésie des mots associée à l'image: l'homme qui marche dans les ciels, une toile de Claude Floch, un voyage à elle toute seule.

- Claude Floch -

 

L'après-midi promettait d'être chargée et réjouissante. Et là aux détours d'une allée, encore un moment de grâce avec Catherine Seher.

- Toiles de Catherine Seher -

 

Je serre quelques pinces an passant, à moitié ailleurs, mes interlocuteurs doivent ne pas trop me sentir avec eux sauf mon amie Constance que je n'avais pas vu depuis un bail et que j'ai été heureuse de retrouver avec son doux et ses deux filles toujours pleine de curiosité, on a bavardé quelques minutes, j'ai remarqué l'intensité de son rouge à lèvres, et puis on s'est dit qu'on déjeunerait bien ensemble un jour prochain. C'est à un déjeuner avec elle que je dois la création de mon blog, elle m'y a fortement encouragée, elle savait que j'aimerais communiquer, partager, exprimer, et que j'en aurais besoin. Je n'imaginais pas il y a quatre ans à quel point! 

Nous continuons, Pat et moi nos périgrinations. Il ne peut pas ne pas immortaliser cette rencontre avec l'ours de Pompon, pour lui comme pour moi, c'est tout un symbole! C'est en quelque sorte notre mascotte! 

 

- Hommage à François Pompon - Yves Gaumetou -

 

- Ben -

 

J'avais deux amies galeristes à voir. Par hasard je tombe sur la première, j'ai reconnu de loin une artiste qu'elle affectionne tout particulièrement, moi aussi, j'avais découvert ses toiles l'année dernière ici aussi. Isabelle Vialle. Par bonheur l'artiste est là et je découvre ce petit bout de femme charmante qui peint ces toiles si bouleversantes. La galerie Naclil est tout près de ma boutique et j'ai toujours du plaisir à y passer. Béatrice et moi avons des goûts convergents et le sculpteur qu'elle présente à la Art Fair, ne me laisse pas indifférente non plus, même qu'il me dérange, ses écorchés sont décapants!

 - Toiles d'Isabelle Vialle -

 

 - Sculptures de Marc Petit -

 

Bon, décidément, je ne suis pas au bout de mes surprises, notre venue ici me ravit et je finis par en oublier les odeurs qui m'avaient agressée au début de ma ballade. Là, une fois de plus je m'arrête devant cette pièce étonnante. Ne sommes-nous pas composé ainsi d'une suite de strates?

 - Isabelle Miramontes -

 

Et puis ce tableau stupéfiant et symbolique de Bertrand Lefebvre, et puis ces tableaux que mon apprareil photo à mis dans la boîte et dont je n'ai pas relevé les noms d'auteur mais, qui m'interpellant les uns et les autres pour des raisons différentes, me donnent envie de les partager avec vous, leur ayant donné un nom moi-même: La belle inconnue, dîner de famille et petite fille perdue.

 

- Bertand Lefebvre -

 

 

Vingt exposants de plus que l'année dernière, donc plus de chance encore de faire des rencontres. Cette Art Fair regorge de trésors, qui a dit que l'art contemporain était mort? Enfin j'arrive chez mon ami Guylaine, que je connais depuis quelques années maintenant. Je l'ai rencontrée à la boutique, je l'ai habillée et puis on a sympathisé. Je suis allée voir sa galerie Emeraude au Touquet, un bel endroit, une belle sélection, une grande sensibilité. Pat nous prend en flagrant délit de complicité!

 

 - Guylaine Fry and me -

 

Je lui demande si elle est satisfaite de son exposition, si elle a eu du monde et si les artistes qu'elle présente ont plu. Elle semble heureuse, fatiguée, certes, mais heureuse. Martin Hollebecq, sa dernière trouvaille a remué, il faut dire que le travail de cet artiste sur la pierre est complétement stupéfiant, comme elle le dit: " Avec lui, la pierre bleue semble se plier en quatre..." A voir les oeuvres de Martin, on ne peut imaginer le long processus qui lui a permis d'aboutir à ces sculptures où la pierre apparaît tordue, inclinée, domptée, exprimant un infini lyrisme. Elle ajoute:" J'y retrouve la part d'ombre et de lumière que chacun porte intérieurement, une empreinte d'une grande sincérité et d'humanité. Celle-ci regarde, elle part demain dans un jardin, on dirait une raie, tu ne trouves pas?"

 

- Sculptures Martin Hollebecq -

 

Je ne peux pas m'empêcher de toucher, hé,hé. Pat me dit que ça lui fait penser au cinéma de Bresson, par la pureté et par la gestuelle si caratéristique de ce metteur en scène exigeant qui sonde les âmes. Il y a de ça dans ces pierres noires-là.

 - Chaos sensible- Martin Hollebecq -

 

Toujours un plaisir partagé que d'être fascinés par les mêmes objets. Nous avons souvent cette osmose avec Pat et ça donne à notre relation une dimension particuère et profonde, nous arrivons à communiquer au travers de ce que nous aimons et qui nous touche sans forcément avoir à en parler, on communie. Pas toujours mais quand ça nous arrive, c'est puissant. Par exemple les sculptures de Quentin Garel nous ont interpellés l'un et l'autre et en même temps. On s'est regardé et on a pas eu besoin d'en dire davantage. Pareil et pour d'autres raisons avec celles de José Vermeersch, tout autant pour les deux collages de Jacques Villeglé. Par contre l'installation de Monique Reyners l'a laissé de marbre alors que j'y ai trouvé mon compte. Une communion n'est pas une fusion mais elle permet bien des avancées l'un vers l'autre.

 

- Scupltures Quentin Garel -

 

- José Vermeersch -

- Jacques Villeglé -

 

 

- Lovely Creature - Monique Reyniers -

 

Nous avions déjà bien de quoi alimenter nos inconscients l'un et l'autre et de futures discussions qui seraient passsionnantes jusqu'à la prochaine fois. Pat, ce sert de ce qu'il voit en matière première, ça l'inspire et puis l'aspect technique compte bien plus pour lui que pour moi qui ne cherche qu'à capter ce que ces oeuvres font en moi et ceux pourquoi celle-ci plutôt qu'une autre va me percuter, me faire vibrer, me transporter, ou m'amuser, comme cette chose là de Remy Pagart ou ce tableau de Koen Scherpereel.

 

- Remy Pagart -

- Koen Scherpereel -

 

 Presque sur le départ, nous refaisons un tour, on sait par expérience qu'on ne voit jamais tout, c'est impossible, d'ailleurs ça n'a pas fait un pli. "Intimité", c'est le nom de sa toile, Christine Muller m'a elle aussi touchée.

 -Toile de Christine Muller -

 

" Les visages, les corps que je peins, que je sculpte, ne sont fait que de sentiments et de ressentiments, je les caresse, je les maltraite, je les travaille... presque jusqu'à l'étouffement. Et c'est dans ce silence que mes oeuvres parlent, s'expriment, se laissent aller dans des conversations sans fin. Un face à face où le spectateur ne peut rester indifférent à ces expressions graves, tourmentées; et en même temps serienes, humbles... puis fragiles."

- Jean-Baptiste Dumont -

 - Jean-Baptiste Dumont -

 

L'inédit est aussi au rendez-vous. Il vient de Chayan Khoï, un artiste iranien qui parcout le monde et réalise à chacun de ses voyages, sur place, ses fameux carnets où il regroupent des éléments locaux, des photos, des pliages et de la peinture.

Chayan Khoi ouvre un nouveau chemin pour la création artistique. Il lie la cybernétique et la photographie dans un art novateur qu’il appelle le « cyberéalisme ». La photographie n’est pour lui que « miroir ». Il explore les possibilités qu’offre le numérique pour nous faire pénétrer derrière le miroir, au-delà de l’image capturée par l’appareil photo, dans des mondes jusque là inaccessibles au commun. Chayan questionne l’œil du spectateur. Il le guide hors des ornières. Son art ouvre des fenêtres, établit des liens, réveille en notre imaginaire des archétypes enfouis, des mondes perdus et des structures inimaginables. L’univers du mythique, du religieux, du symbolique fait irruption dans le monde profane. Face à son œuvre, la pupille se dilate comme face à d’autres possibilités. Afin de retrouver l’universel et le cosmique, Chayan, à l’instar des mystiques indiens, abolit l’histoire et le temps. Son art veut atteindre des couches encore plus profondes que celles du conscient et même de l’inconscient personnel. (Source Lille Art Fair)

 

- Le Globe Rêveur - Chayan Khoï -

 

Notre aventure touche à sa fin, l'heure tourne. Avant de décider de nous diriger pour de bon vers la sortie, c'est difficile, on est bien là, on tombe sur Karen Lamonte et sa robe de verre. Je caresse l'objet, je me fais réprimander, pas pu m'en empêcher. Délicieux moment.

- Karen Lamonte -

 

Toute bonne chose a une fin, juste prêts à partir une photo nous accroche encore et puis en sortant une image me fait sourire par son actualité. C'est vrai, Dimanche prochain, on va voter! Au revoir Art Fair bénie, j'ai passé un après-midi fort en émotions, en réflexions et en partage. Hâte de voir le cru 2013 de ce voyage!

 

© photos Hélène et Patrick Natier

De ses doigts de peau, toucher la peau des choses...

- René Magritte -

 

" Le peintre, du bout des doigts, caresse ou attaque la toile, l'écrivain scarifie ou marque le papier, appuie sur lui, le presse, moment où le regard se perd, le nez dessus, vue annulée par le contact: deux aveugles qui ne voient que par la canne ou le bâton. L'artiste ou l'artisan, par la brosse ou le pinceau, par le marteau ou la plume, à l'instant décisif, se livre à un peau à peau. Nul n'a jamais pétri, n'a jamais lutté, s'il a refusé la prise de contact, nul n'a jamais aimé ni connu."

- Michel Serres -

 

la salle des mots

 

- Cécile Rouquié -

 

 

Joan Mitchell

 

" Peindre c'est une manière de se sentir vivre."

- Joan Mitchell -

 

 

" Sentir, exister vivre, je pense que c'est la même chose, mais la qualité n'est pas la même. Exister, c'est la survie, cela ne veut pas nécessairement dire sentir. Vous pouvez dire bonjour et bonsoir. Sentir, c'est quelque chose de plus, ce n'est pas simplement survivre."

- Joan Mitchell -

 

 

Joan Mitchell est née en 1925 à Chicago. Elevée par sa famille fortunée, son père était un médecin célèbre, elle se tourna très vite vers les arts. En 1942, elle s'inscrivit au Smith College qu'elle quitta en 1944 pour le Art Institute of Chicago. Elle y reçut son diplôme (Bachelor of Arts degree) en 1947 et un autre diplôme (Master of Fine Arts) en 1950. Elle étudia aussi à l'école de Hans Hofmann à New York et voyagea en France, Espagne et en Italie. Dans les années 1950, elle était considérée comme un élément essentiel de l'École de New-York.

Son travail a été influencé à ses débuts par Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Wassily Kandinsky, puis par Franz Kline et Willem de Kooning, entre autres.

En 1955 Joan Mitchell s'installa en France pour rejoindre son compagnon le peintre canadien Jean-Paul Riopelle, avec lequel elle eut une relation longue, riche et tumultueuse. Ils n'habitèrent pas ensemble et conservèrent des ateliers séparés, mais dinaient et buvaient ensemble tous les jours. Ils habitèrent d'abord Paris, avant de déménager à Vétheuil, un village du bord de la Seine près de Mantes-la-Jolie dans la maison où vécut Claude Monet avant de s'installer à Giverny.

Elle mourut à Vétheuil en 1992.

Les œuvres de Joan Mitchell sont souvent de grandes dimensions, couvrant deux panneaux. Ses tableaux sont très expressifs et émouvants.

(Source Wiki)

 

 

" Je veux simplement faire qu'une surface fonctionne. c'est juste une utilisation de l'espace et de la forme, une ambivalence des formes et de l'espace. Le style en peinture a à voir avec les étiquettes. beaucoup de peintres sont obsédés par la volonté d'inventer quelque chose. Tout ce que je voulais, c'était peindre. j'avais une telle admiration pour les grands peintres. Si tu étudies de près un Matisse, la manière dont la peinture est poséee et la manière dont le blanc est mis. Moi, je voulais poser la peinture comme Matisse. J'y ai travaillé dur il y a très longtemps."

- Joan Mitchell -

 

 

 

 

 

Antoni Tàpies

 

" Une oeuvre, c'est une réflexion continuée toute une vie. Une réflexion sur les mystères éternels auxquels l'homme est confronté."

- Antoni Tàpies -

 

 

 

 " Le tableau devait être une chose, un objet investi par l'artiste d'une énergie mentale, d'une sorte de charge électrique qui, touchée par un spectateur à la sensibilité appropriée, déclenche des émotions déterminées."

- Antoni Tàpies -

Artiste autodidacte, Antoni Tàpies a été reconnu très tôt aux Etats-Unis. Dans les années 1950, se détournant d’une abstraction française qu’il estime "trop élégante", il mêle à la couleur des matériaux comme le sable et le plâtre, réalise des collages avec des journaux ou des bouts de ficelle.

A la fin des années 1960, il compose des tableaux-objets, tandis que sur certaines de ses toiles apparaissent des croix (en fait deux T, le premier étant celui de son nom, le second la première lettre du prénom de son épouse, Teresa). La figuration n’est pas absente de cette œuvre qui semble abstraite, en témoignent notamment ces fragments de corps (des pieds, des morceaux de torse faisant allusion à des crucifixions).

Il détestait Dali.

Farouche opposant au régime franquiste, Antoni Tàpies n’a jamais exposé en Espagne durant le règne du général Franco. Détestant Dali (qui, lui, n’avait pas hésité à se compromettre avec le régime), ami de Miro, Antoni Tàpies avait créé en 1984 à Barcelone une Fondation qui portait son nom. Destinée à promouvoir l’art moderne et la jeune création, celle-ci abritait aussi une galerie et une bibliothèque.

Car Tàpies était un bibliophile averti, qui possédait une impressionnante collection d’ouvrages anciens mais aussi de tableaux de maîtres (Picasso, Miro, Masson, Klee, Schwitters, ou encore Ernst). Il collectionnait également les objets d’art du Japon, de Chine, d’Afrique ou d’Inde, objets dont il s’inspirait parfois dans ses propres dessins ou tableaux. Catalan, humaniste, peintre, dessinateur, Antoni Tàpies était un géant. Et les géants, on le sait, ne meurent jamais.

 

- Bernard Genies -

 

Antoni Tàpies est né en 1923 à Barcelone dans une famille cultivée de la petite bourgeoisie, militante farouche de la cause catalane. Au XIXe siècle, ses ancêtres publièrent et vendirent des livres. Héritier de cette lignée de lettrés, il en a toujours beaucoup lu, avec un appétit sans faille. Comme Proust et nombre de créateurs, une maladie pulmonaire l'a contraint jeune à l'isolement et au repos forcé. La lecture y a trouvé son compte. Mais aussi le dessin et la peinture, deux penchants qui le poussèrent à abandonner ses études de droit. Dans les années 1940, il exposait déjà ses toiles révolutionnaires de forme et de fond qui firent sensation dans le milieu artistique d'alors.

La matière comme language.

Comme nombre d'artistes de l'après-guerre, Tàpies ressentit l'effroi de la bombe atomique qui avait mis fin si cruellement au conflit mondial. On le ressent encore aujourd'hui devant ses toiles où la terre, la poussière, les atomes et les particules disaient la fragilité des choses et le retour de l'être humain au néant. Pour traduire sa vision du monde dévasté,vaincu et choqué, il employa des matériaux qui n'étaient pas académiques. La matière était le langage même d'Antoni Tàpies. Elle l'est restée dans toute sa longue vie d'artiste. Ses tableaux se reconnaissaient toujours, tout de suite, et vous emmenait dans un no man's land, entre la Lune et le cimetière des rêves. Antoni Tàpies aimait souligner la part de mysticisme propre à cette matière commune, comme la magie des alchimistes qui transformaient l'ordinaire, voire le vil, en trésor. Il voulait que ses tableaux fassent de même avec le spectateur.

Dans les années 1950 et 1960, Antoni Tàpies créa des séries d'images puisées directement dans son environnement. L'évolution de l'image renvoyait au regard de l'artiste qui voulait que le nôtre apprenne à réévaluer ce qui était tenu pour bas. Le résultat pouvait être déplaisant, voire animal, voire terriblement humain comme les fonctions les plus trivialement organiques, mais aussi comme un pied, une aisselle... Le peintre catalan laissait rarement indifférent. Il avait ses adorateurs, toujours des goûteurs de grande peinture, et des réfractaires qui passaient vite devant ces visions de la Terre devenue désert et des hommes devenus des créatures. En pur Catalan de nom, d'histoire et de culture indépendantiste, Antoni Tàpies a continué à regarder sans fards les évènements politiques et sociaux de son temps. À la fin des années 1960 et au début des années 1970, son discours artistique et son engagement politique contre le franquisme et le poids de la culture castillane ont donné à ses œuvres une profondeur plus sombre. Il coïncida alors avec d'autres mouvements concomitants, l'Arte Povera en Italie, le post-minimalisme américain. Il incorpora de plus en plus d'objets à ses oeuvres. Il ne renoua vraiment avec la toile que dans les années 1980 lorsque la démocratie revint en Espagne. L'artiste revient toujours à ses premiers rêves. Avec sa disparition, le XXe siècle espagnol perd une de ses dernières grandes figures historiques.

- Valérie Duponchelle -

 

Proche des mouvements dadaïstes et surréalistes, il ne se définissait ni comme un peintre ni comme un sculpteur mais plutôt comme un poète qui se laissait mener par ses sensations et ses émotions. Ses œuvres étaient selon lui des talismans, objets magiques destinés à guérir les hommes de leurs angoisses. Abandonnant la peinture au profit des matériaux pauvres, argile, bouts de ficelle, terre, cheveux, Antoni Tapies fut l'un des premiers artistes à intégrer à ses toiles des objets, voire même des pièces de mobilier. Les matériaux présentaient pour lui une réelle charge expressive à exploiter. Le signe de la croix omniprésente dans ses œuvres évoquaient pour l'artiste le souvenir des cimetières liées aux guerres civiles et mondiales. J'aime cette idée de l'art agissant comme un baume et permettant de réagir aux violences du monde...

Vivant

- Toile de Françis Bacon -

 

Vivant. Vivant comme un matou humant la bagarre qui se glisse entre les faisceaux de la lune et les échos des ruelles. Comme Custer enfilant ses bottes à Little Big Horn. Comme un chrétien dans l'arène, comme les cancrelats quand j'allume l'ampoule des toilettes, comme la truffe à l'approche de la truie, comme la truie à l'approche de l'abattoir, devinant un au-delà de bacon et de chair à saucisse, comme une souffrance d'amour un soir d'orage brûlant quand ça tonne tant qu'on jurerait que Dieu déplace des meubles là-haut. Et puis vivant comme Essex au retour d'Irlande, comme Fredo Corleone récitant un Ave dans sa chaloupe, comme la flamme flottant haut sur un bout de chandelle, vivant comme seul peut l'être ce qui va tantôt mourir, ainsi faudrait-il pouvoir se sentir en pleine conscience à chaque heure de chaque jour, mais c'est difficile en sacrement.

- Christian Mistral -

 

Visages

 

" Le visage humain fut toujours mon grand paysage."

- Colette -

 

Rosa la vie

- Hommage à Rosa Luxembourg de Riopelle -

 

Lettres de prison, 1915

 

" Imginez-vous qu'ici, dans le voisinage, il y a quelque part une oie, je veux dire une vraie oie avec des plumes. Elle crie parfois, ce qui m'enchante; cela se produit, hélas! trop peu souvent. Savez-vous pourquoi j'aime tant cela? je viens de le découvrir: le caquetage des poules et le coin-coin des canards ont des accents authentiquement maternels et soucieux d'animaux domestiqués depuis longtemps. Mais le cri de l'oie évoque tout à fait l'oiseau sauvage, non apprivoisé, qui émigre en hiver vers le sud; il fait songer au vol orgueilleux, à l'appel amoureux par-delà de lointaines distances... En vérité, quand j'entends ce cri inarticulé de l'oie, quelque chose en moi trésaille de nostalgie -- la nostalgie de quoi? Tout simplement des horizons lointains du monde. Sacredieu, par tous les diables! que ne puis-je moi aussi voler, loin, loin d'ici, aussi loin qu'une oie sauvage!"

- Rosa Luxembourg -

 

 

 

 * Merci MmwH!

Une belle, généreuse, rassérénante et créative 2012 à tous!

 

 - Christophe Miralles -

 

Emil Nolde

 

" La fidélité et la précision dans la reproduction de la nature ne font pas une oeuvre. Une figure semblable à s'y méprendre à son modèle n'inspire que du dégoût. Eprouver la nature en y insuflant sa propre âme, son esprit, transforme à l'inverse le travail du peintre en art."

- Emil Nolde -

Emil Nolde est un fils de paysan né le 7 août 1867 à Nolde et mort le 13 avril 1956 à Seebüll. Son vrai nom est Emil Hansen, il a pris le nom de son village natal, aux confins de l'Allemagne et du Danemark.

 

Nolde a près de 30 ans quand il peint son premier tableau, il se dirige d'abord  vers la sculpture ornemantiste sur bois, devient ensuite professeur de dessin à Saint-Gall (Suisse) et se forme à Munich et à Paris en 1900. Passé en 1906 par le mouvement expressionniste Die Brücke (le pont), à Dresde, il crée en 1910 la Nouvelle Sécession. Nolde devient l'un des pontes de l'art allemand et s'impose comme le chef de file du courant expressionniste allemand.

 

 

L'homme est pétri de contradictions : attaché à sa terre et voyageur (la Papouasie et la Nouvelle-Guinée), avant-gardiste et rustique... Il se dit solitaire et inculte, mais aime les honneurs et s'implique dans des querelles d'écoles; il se voit mal-aimé, mais est reconnu dès les années 1920.

 

Fils spirituel d'Edvard Munch et de Vincent Van Gogh, Nolde est capable d'exprimer par son pinceau fougueux et sa palette de feu les tourments d'une âme exaltée. La couleur, employée en toute liberté, le dessin, incisif et sans concession, sont au service d'une vision émerveillée et tragique, où s'expriment le sentiment de la nature et le mystère des origines.

 

 

Les sujets religieux peints par Nolde bouleversent toutes les tentatives faites dans ce domaine à l'époque moderne. Ses peintures comme le polyptique La vie du Christ (1909-1912), sont plus proches du profane que du sacré, du primitif, du populaire que du sublime. Les personnages sont grotesques ou inquiétants, les couleurs explosives, le tout emprunt de rusticité et d'expressivité. Nolde est un protestant convaincu, mais sa foi a des accents mystiques, païens.

 

 Profondément rural, Nolde entretient avec la ville un rapport ambigu, entre dégoût et fascination. Il passe souvent l'hiver à Berlin, participe à son avant-garde, mais ne tarde jamais à reprendre ses distances. Sa série sur les nuits de Berlin, peinte dans les années 1910, est à l'image de cette ambivalence : il y exprime à la fois la fête, la vie, et un sentiment de décadence.

 

Son rapport au nazisme n'est pas le dernier de ses mystères. D'abord sympathisant, à la fois par opportunisme et par patriotisme, il est admiré par Goebbels... mais haï par Hitler, et  il est rapidement mis au ban par le régime. Il est alors  frappé d'une interdiction de peindre, certaines de ses toiles seront montrées en 1937 par les nazis dans leur expo dénonçant "l'art dégénéré" et environ 1 052 de ses oeuvres conservées dans des musées allemands sont vendues à l'étranger, ou brûlées.

 

Malgré la Gestapo qui veille ( elle passe souvent chez lui) , Nolde, âgé de plus de 70 ans, crée clandestinement environ 1300 aquarelles dites "les images non peintes". L’après-guerre sera plus clémente. La reconnaissance internationale ne tarde plus. De son vivant, Nolde aura l'honneur d’être consacré comme l’un des artistes les plus importants du XXe siècle.

 

Jusqu'a sa mort à l'âge de 89 ans, Nolde aura en lui un besoin vital de peindre qui a imprégné chacune de ses toiles. Il nous laisse laisse une oeuvre foisonnante qui continue de dialoguer aujourd'hui avec l'art le plus contemporain.

 

 

 Figure de l’avant-garde, maître de l’art moderne, Nolde n’est ni un théoricien, ni un militant revendicatif, ni le défenseur d’un système péremptoire ou d’un formalisme téléologique, mais un véritable artiste en communication immédiate avec sa vision, ses impulsions, ses influences. De cette vocation spontanée et irrépressible découle un art multiforme, tant sur le plan du sujet que de la facture, dans lequel l’idée et la forme ne se livrent pas un combat stérile mais se nourrissent perpétuellement.L’artiste pratique au même moment et durant toutes les périodes des factures très différentes, s’inspire de sujets allant du « réalisme » au fantastique, en un mot, reste libre jusqu’au bout.

 

On sait que l’artiste fut un grand voyageur, après s’être intéressé aux arts primitifs, comme bien des peintres de son époque. Sont ainsi présentées des œuvres inspirées par les visites de Nolde  au Musée d’ethnologie de Berlin, puis des huiles et aquarelles représentant, entre autres, des indigènes de la Nouvelle Guinée allemande (à la suite de la participation de l’artiste à l’expédition Külz-Leber de 1913). Sur certaines huiles il reprend de manière stylisée et très « art moderne » des objets tribaux dans un arrangement essentiellement décoratif (et là on touche à l’exercice de style), l’artiste, une fois confronté à la réalité des peuples dits primitifs, change sa manière du tout au tout. La série d’aquarelles de Nouvelle Guinée abandonne les affèteries de la modernité décorative, et même la puissance expressive d’une picturalité agressive, pour dépeindre avec une sobriété remarquable l’humanité des indigènes. Ces portraits à l’aquarelle ne semblent pas devoir leur facture relativement « sage » à des impératifs documentaires puisque ces travaux n’étaient pas réellement une commande. C’est plutôt la simplicité intouchée et le mode de vie intact de ces indigènes qui semblent avoir provoqué chez  un sentiment de modestie et de respect, faisant passer les impératifs expressifs au second plan : témoignage supplémentaire de l’authenticité de ce peintre et de la noblesse de sa personnalité.

 

" Les hommes primitifs vivent dans leur nature, ils ne font qu’un avec elle et sont une partie du cosmos tout entier. J’ai parfois le sentiment qu’eux seuls sont encore de véritables hommes, et nous quelque chose comme des poupées articulées, déformées, artificielles et pleines de morgue."

 

- Emil Nolde -

 

 

 

 

exister c'est co-exister*

- Auto-portrait de Françis Bacon -

 

" Nous employons constamment dans la vie courante le verbe "se tourmenter", sans d'ailleurs suffisamment prendre garde à tout ce qu'implique ici la forme pronominale; car "se tourmenter" c'est vraiment être son propre tortionnaire. En réalité, rien n'est plus important que de s'interroger sur ce paradoxe, c'est-dire de se demander comment il peut se faire que nous devenions dans certains cas -et cela de façon la plus active- notre propre ennemi. Cette possibilité ne peut-être qu'enracinée profondément dans notre structure."

- Gabriel Marcel - En exergue de "Sylvia au bout du rouleau ivre" de Christian Mistral -

* Du même auteur, Gabriel Marcel

Twombly

- Plafond du Louvre de Cy Twombly -

 

C'est un ami tentant de m'expliquer sa peinture qui m'a fait découvrir Twombly. Mort d'un cancer cette année à l'âge de 83 ans, ce grand Monsieur de l'art "postwar" américain était une sorte de Jupiter solitaire et érudit, adorant Proust, vivant retranché dans sa maison perdue de Gaeta en Italie, fuyant toute interview depuis toujours, ne s'exprimant qu'avec son pinceau et la photographie. Il avait un rapport particulier avec cette dernière, celle d'un esthète qui vivait dans la beauté d'un passé arrêté comme les protagonistes du Jardin des Finzi-Contini. Il a mis plus de 30 années à être reconnu contrairement à ses deux amis Jasper Johns et Robert Rauschenberg mais il est maintenant exposé dans les plus prestigieux musées du monde et est devenu ce qu'on appelle un grand maître au même titre qu'un Turner ou qu'un Monet. Ses toiles sont tout un monde. Captivantes et poétiques. J'ai été subjuguée.

 

"Depuis plus d'un demi-siècle, Twombly "écrit"la peinture. Les traits hâtifs qu'il inscrit à la surface, souvent de façon parcellaire, rehaussés de collages ou de crayon de couleur, établissent une tension, comme si la peinture ne pouvait supporter son accomplissement. Ainsi que l'écrit Pierre Restany en préface de la première exposition parisienne en 1961, Twombly dé-figure les symboles, les alphabets et les nombres. Son vocabulaire pictural se rapproche d'une écriture désintégrée. Les graphismes et autres écritures abstraites, empâtements somptueux, volutes répétées, qui traversent la feuille de part en part, sont autant de signes de reconnaissance d'une œuvre avec laquelle s'établit un fructueux dialogue visuel, précisément parce que la peinture ne s'impose pas au regard comme définitive. Mais qu'elle est toujours en devenir. Revenir à Twombly par le dessin, c'est insister sur les fondements mêmes de sa peinture."

 

Edwin Parker (Cy) Twombly Jr. (né le 25 avril 1928 à Lexington, Virginie, et mort le 5 juillet 2011 à Rome est un peintre, dessinateur,sculpteur et photographe américain.

 

Son œuvre croise les enjeux majeurs de l'art au xx^e siècle : le dilemme abstraction/figuration, l'intervention de la psychanalyse, leprimitivisme, le rôle de l'écriture en peinture, l'hommage aux anciens (il choisit souvent ses thèmes dans l'Antiquité ou dans la littérature ancienne), les liens artistiques entre Europe et Amérique.

 

« Son graphisme, est poésie, reportage, geste furtif, défoulement sexuel, écriture automatique, affirmation de soi, et refus aussi... il n’y a ni syntaxe ni logique, mais un frémissement de l’être, un murmure qui va jusqu’au fond des choses »

- Pierre Restany -

 

"La richesse expressive de Cy Twombly réside dans un langage métaphorique plein de symboles qui s’inspire de thèmes mythologiques, de l’écoulement du temps et de lieux chargés de sens pour l’artiste. L’histoire, la poésie, la mythologie classique et le paysage méditerranéen, telles sont quelques-unes des sources où s’abreuve l’artiste et nombre de ses titres reflètent d’ailleurs ces inspirations.

 

L'oeuvre de Cy Twombly est remarquable à cette graphie singulière, spontanée, colorée, presque primitive, qui scande sur la toile les noms des héros mythologiques et des vers de Sappho, Keats, Mallarmé ou encore Valéry. Ce trait fin et élancé, qui gribouille plus qu’il n’écrit, a souvent été apparenté au graffiti. Progressivement, il a perdu de sa neutralité, sans doute également de son autonomie, pour rythmer de grandes compositions abstraites dédiées à la nature, aux saisons ou aux fleurs. L’écriture s’extrapole peu à peu en un motif simple, presque enfantin, en une boucle infinie qui parcourt toute la toile y compris son hors-champ. Cy Twombly est le peintre de la méditerranée, puisant dans ses coloris chauds et dans son patrimoine."

- Le Monde -

 

"C'est une chose enfantine que de peindre. Je veux dire avec la main. Je commence par utiliser une brosse, mais très vite, je ne peux pas continuer parce que l'idée se fige, c'est trop long. Je suis obligé de revenir en arrière, et ce faisant, je perds l'idée en cours. Alors, j'utilise ma main. Ou ces bâtons de peinture qui se révèlent formidables à l'usage. C'est instinctif, dans un certain genre de peinture... pas du tout comme si vous étiez en train de peindre un objet ou des choses précises. C'est plutôt comme de traverser le système nerveux. C'est comme un système nerveux. Ce n'est pas décrit, c'est en train de se dérouler. Le sentiment vient en même temps que l'oeuvre. Je pars d'un sentiment, de quelque chose de doux, de rêveur, de dur, d'aride, quelque chose de solitaire, quelque chose qui se termine, quelque chose qui commence. J'en fais l'expérience, et j'ai besoin d'être dans cette action de continuer, d'avancer. Je ne sais comment décrire cet état... Pollock, quand vous le voyiez travailler, pour moi, c'est l'un des plus grands peintres américains, c'est très lyrique. Ou Gorki, qui était très passionné et pouvait prendre un dessin et le copier exactement sur la peinture. Mirô aussi, pouvait traduire ses dessins en peintures. Il y a un certain maniérisme chez eux, que je n'ai pas. Je ne pense pas à la composition, ni à la couleur, je cherche juste à progresser. Cela ressemble plus à faire une expérience qu'à un tableau."

- Cy Twombly -

 

Marlene Dumas

 

" Ma bouche est une petite cicatrice rose qui a besoin d'air."

- Marlene Dumas -

 

Marlène Dumas part pour les Pays-Bas en 1976, où elle entreprend des études artistiques aux Ateliers '63 de Haarlem. Elle s'oriente ensuite vers la psychologie à l'université d'Amsterdam, avant d'exposer ses travaux pour la première fois à Paris en 1979.

Trois ans plus tard, l'artiste est invitée à participer à la documenta VII de Cassel, et participe à l'exposition « Du concept à l'image » organisée au musée d'Art moderne de la Ville de Paris en 1994. Son œuvre est ensuite mise à l'honneur dans le cadre de « Féminin-Masculin, le sexe de l'art » et dans la galerie d'art graphique du centre Pompidou en 2001, qui présente une rétrospective consacrée à son travail sur papier.

Teintés d'expressionnisme, ses toiles et ses dessins explorent des thèmes aussi divers que l'histoire de l'art et de la littérature, la sexualité, le racisme et l'Afrique. La religion, ainsi que les notions de culpabilité et de pardon, sont en outre des notions récurrentes, comme en atteste « Jesus Serene », une suite de vingt-et-un portraits du Christ. En outre, c'est dans une perspective sociale et sexuée que Marlène Dumas peint la nudité, mais aussi des portraits d'enfants malades ou des corps violentés, puisant aussi bien dans des magazines que dans des cartes postales. Souvent dépouillées, ses œuvres révèlent alors le corps humain dans toute sa poésie et sa déchéance.(source Wiki)

 

Les dessins et les peintures de Marlene Dumas s’inscrivent dans la tradition expressionniste. Elle y mêle une distanciation contrôlée, manifeste dans les titres, précis et incisifs, qu’elle donne à ses œuvres. Pour elle :

« Mots et images sont logés à la même enseigne. Il n’y a aucune pureté à protéger. »

Dans sa peinture, et plus encore dans ses dessins, la thématique du corps humain lui permet de traiter les thèmes essentiels de la vie. S’y surimposent des questionnements liés à sa propre histoire : le monde de l’art, le racisme et l’Afrique. Elle travaille d’après des photographies qu'elle prend elle-même, des documents glanés dans des magazines ou des cartes postales.

Marlene Dumas explore des thèmes existentiels comme la mort, la violence, la sexualité, avec une économie de moyens toujours plus grande. Elle questionne le travail et le corps, un corps plus souvent confronté à des désirs obscurs, corps humilié, corps offert, dans une perspective sociale et sexuée. Un corps qui se heurte à sa représentation. Sa peinture est forte en émotion.

 

Marlene Dumas s’est aussi fait connaître grâce à ses réflexions très personnelles sur l’esthétique.

Elle utilise le plus souvent le système du glacis et aussi de motifs de l’histoire de l’art et de la littérature, qui servent de point de départ pour sa composition picturale. De même, en plus du titre, elle insère dans le tableau des mots, ou encore des phrases entières, qui placent ses motifs dans un champ de tensions polysémiques.

Cette stratégie artistique ne débouche pas sur une forme d’expressionnisme qui tenterait à faire croire à une authenticité première. En fait, ce qui est actif dans ses tableaux, c’est une sorte de sentiment réfléchi, d’une certaine sensualité, mais riche de sens.

 

Mais l’œuvre de Marlene Dumas reste une œuvre très simple, voire dépouillée : un visage, un corps, quelques couleurs, le plus souvent délavées, voire épuisées. Avec des moyens limités, elle crée des tableaux aussi excessifs dans un sujet que dans leur dynamique. Non seulement elle peint une troupe interminable de corps nus saisis dans des poses pornographiques, mais elle portraiture aussi des enfants malades, des corps torturés, des victimes de la terreur.

Toute sa carrière, Marlene Dumas a frayé un chemin avec le danger et la catastrophe, bien avant que ces sujets ne deviennent courants dans l’art contemporain. Qui plus est, elle a exploré les liens qui unissent passion et violence sans vraiment dévoiler ses intentions.

Marlene Dumas est un peintre limpide, mais ses personnages semblent se tenir dans une zone obscure, des sortes de créatures étranges. Des œuvres clairement provocatrices, ses portraits n’en demeurent pas moins mystérieux et ambigus.

(source Wiki)

 

" Images éculées, mais émotions inédites."

- Marlene Dumas -

Do not go gentle into that good night

-Toile de Hans Hartung -

 

Do not go gentle into that good night,
Old age should burn and rave at close of day;
Rage, rage against the dying of the light.

Though wise men at their end know dark is right,
Because their words had forked no lightning they
Do not go gentle into that good night.

Good men, the last wave by, crying how bright
Their frail deeds might have danced in a green bay,
Rage, rage against the dying of the light.

Wild men who caught and sang the sun in flight,
And learn, too late, they grieved it on its way,
Do not go gentle into that good night.

Grave men, near death, who see with blinding sight
Blind eyes could blaze like meteors and be gay,
Rage, rage against the dying of the light.

And you, my father, there on the sad height,
Curse, bless, me now with your fierce tears, I pray.
Do not go gentle into that good night.
Rage, rage against the dying of the light.

 

- Dylan Thomas -

 

 

Odilon Redon

" L'artiste vient à la vie pour un accomplissement qui est mystérieux. Il est un accident. Rien ne l'attend dans le monde social."

- Odilon Redon -

 

J'ai depuis quelques mois l'envie de faire une note sur Odilon Redon, ce peintre du XIXe siècle qui explore les méandres de la pensée et l'aspect sombre et énigmatique de l'âme humaine, et depuis des mois ses oeuvres m'accompagnent sur mon écran. J'ai toujours eu une passion pour les symbolistes comme si je partageais leur vision du monde et leurs interrogations existentielles. Qu'ai-je donc tant en commun avec ce peintre là? Dans sa biographie sur Wikipédia, il est écrit que Redon est dès le départ un artiste spirituellement apatride, c'est peut-être ça. Son goût de rêve fécond, son besoin d'imagination et d'évasion? Aussi, c'est certain. L'oeil si présent dans son oeuvre? Cette volonté quasi obsessionnelle de capter notre attention en ce point fixe absolument immobile pour y inscrire des êtres en mouvement? Le mystère qui émane de ses toiles? La quête de transcendance qu'elles évoquent? Oui, cette dimension symboliste et symbolique me parle, me touche, m'interpelle et me ressemble, intimement.

 

« Ah ! Ces conversations avec Redon, quand il se sentait en confiance ! Quelles substantielles conversations ! Tout le ramenait à Montaigne, Shakespeare, Baudelaire, Flaubert, Rembrandt, Dürer, Delacroix, Berlioz, Schumann. (…) Il jouait du violon. Il aimait par dessus tout Bach, Monteverde, pas tout Wagner, les derniers quatuors de Beethoven. Berlioz aimé des peintres, Schumann, Debussy, de Séverac. Il ne prenait aucun plaisir à entendre les œuvres de Franck et encore moins celles d’Indy. « Ce sont des sacristains, disait-il. » Un jour Vollard vint le consulter sur une question de musique : «  Redon, dites-moi donc, beaucoup de gens me demandent quel musicien je préfère. Que faut-il leur répondre ? » - « Vollard, répondez seulement : Bach » Tout cela était dit de part et d’autre sur un ton de plaisanterie charmante. »

- Gustave Fayet, "Souvenirs sur Odilon Redon" -

" Mes dessins inspirent et ne définissent pas."

- Odilon Redon -

 

Ce rêveur éveillé est complètement à l'image de ce que j'aime chez cet artiste, l'art de suggérer et de permettre à chacun d'y projeter le fond de sa pensée, ses peurs, ses désirs, ses aspirations les plus secrètes sans avoir à les formuler, juste entrer un instant devant ces couleurs profondes en relation avec son inconscient. Se réunir, apprendre à se ressentir plus encore, faire un voyage, en soi.

 

Prince du rêve, il est le grand artiste du subconscient et du mystère. Il s'est servi de cette voie royale pour nous offrir une oeuvre picturale chargée d'émotions et de correspondances. Il y a une sorte de musique dans ses toiles, l'ésotérique côtoie le religieux, le réel l'imaginaire et l'humain le merveilleux.

 

 

Pages blanches

- Toiles de Robert Ryman -

 

L'Américain Ryman conduit une œuvre singulière, parfois rapprochée de la démarche analytique du minimal art. Elle est, en effet, vouée à l'interrogation de chacun des constituants de la peinture : format, châssis, nature du support, pinceau, ton du blanc (son unique couleur), accrochage, etc. (un Dossier Ryman, très complet, a été réalisé par la revue Macula, n^o 3-4, en 1978).

Né à Nashville (Tennessee), Ryman s'installe à New York après son service militaire. Saxophoniste, il se destine à la musique mais gagne sa vie comme gardien au musée d'Art moderne, où il rencontre les artistes Sol LeWitt et Robert Mangold. Ryman va alors « s'apprendre » la peinture. Dès 1955, il trouve les invariants de cet exercice : le format carré, la couleur blanche. Il recherche alors tout ce qui entre en relation avec le tableau : ainsi insère-t-il sur ses toiles des signatures et des dates. Entre 1958 et 1962, il expérimente tout ce qui a trait à l'application de la peinture, selon qu'elle imprègne ou non son support, qu'elle le recouvre entièrement ou non. Vers 1965, sa méthodologie devient plus systématique : le pinceau s'applique en traînées parallèles, de gauche à droite et de haut en bas (série Winsor), et la répétition est mise en œuvre par la production de polyptyques (Sans Titre, 1974, Musée national d'art moderne, Paris). La prise en compte du cadre, de la tranche, de l'épaisseur du tableau amène Ryman à varier la relation de l'œuvre au mur, soit en la faisant adhérer à celui-ci, soit, au contraire, en la fixant avec des attaches d'acier (Criterion I, 1976, Musée national d'art moderne, Paris). Il remet en question jusqu’au titre des tableaux qu’il emprunte au nom de telle ou telle entreprise, trouvé dans un répertoire professionnel. Dans la série de vingt-trois tableaux exposés à la Pace Gallery à New York en 1992-1993, il s’interroge sur les relations qu’entretient la couche de peinture blanche plus ou moins épaisse, plus ou moins étendue avec le support (carton d’emballage ondulé).Ce questionnement des « assises de la peinture, de ses raisons, mené avec ses moyens propres », permet aux spectateurs, selon le critique Jean Frémon, auteur de l’essai Robert Ryman, le paradoxe absolu (L’Échoppe, 1991), « d'entrer dans un dédale d'infinies distinctions où rien de ce qui est visible n'est indifférent » (Préface de l'exposition Ryman à la galerie Maeght-Lelong, 1985).

- Elisabeth Lebovici -