la chos'e

 

 

" En art, j'aime la chos'e, de même en amour..."

- Eric Satie -

 

Découverte chez Mû et chez Frasby, la revue Chos'e est une revue d'art et de poésie, bimestrielle, virtuelle qui se lit, s'imprime, et se télécharge gratuitement. Ceux qui ne connaissent pas encore tout comme moi, peuvent en approcher l'univers, là. C'est de toute beauté!

 

 

Butch, artiste-peintre de coeur

 

 

Communiqué de presse

Via Mistral

SIMPLEMENT DANS MA COUR

Trois-Rivières, 11 mai 2010... L'artiste-peintre Gaétan Bouchard tiendra son premier vernissage samedi et dimanche les 15 et 16 mai 2010 de midi à 17h00.
Son exposition s'intitule Simplement dans ma cour. 
L'événement aura lieu simplement dans sa cour, au 1756 de la rue St-Olivier à Trois-Rivières. 
L'artiste tire son inspiration des scènes de la vie urbaine. Il nous présente une galerie de personnages connus et méconnus du grand Trois-Rivières.

 

 

Wifredo Lam

 

"Quand j'étais petit, j'avais peur de mon imagination. Je n'ai jamais vu de fantômes, mais je les inventais. Je craignais la lune, l'oeil de l'ombre. Je me sentais à part, différent des autres."

- Wifredo Lam -

 

Son père, un commerçant chinois de Canton établi à Cuba, a plus de 84 ans quand naît son huitième (et dernier) enfant, Wifredo. Sa mère est mulâtre.

De 1918 à 1923, il fréquente l’école des beaux arts de La Havane. Au début de l’automne 1923, il s’embarque pour l’Espagne.
En 1929, il épouse Eva Piris (espagnole d’Estrémadure). Un enfant naît l’année suivante. En 1931, Eva et son fils meurent de la tuberculose. En 1938, Pablo Picasso fait la connaissance de Wifredo Lam qu'il présente à ses amisGeorges Braque, Paul Éluard, Fernand Léger, Henri Matisse, Joan Miró... En 1940, André Breton lui propose d'illustrer son dernier recueil poétique « Fata morgana »¹ À partir d'octobre 1940, il fait partie des artistes qui fréquentent laVilla Air-Bel à Marseille, mise à la disposition de "personnalités" à sauver des nazis, par l'américain Varian Fry, fondateur, à cet effet, du Comité américain de secours.² En attendant un visa de sortie, il participe aux cadavres exquisdessinés et à la création du « Jeu de Marseille », jeu de cartes inspiré du tarot de Marseille.

Le 25 mars 1941, il embarque pour Cuba avec Breton et sa femme Jacqueline Lamba, Max Ernst, Claude Lévi-Strauss, André Masson (peintre) et Victor Serge. À l'escale de Fort-de-France, en Martinique, il est interné avec Breton. Ils font la connaissance d’Aimé Césaire. Le 16 mai, ils sont autorisés à quitter la Martinique.

Le 17 novembre 1942, sa première exposition monographique est organisé à la galerie de Pierre Matisse à New York. Fin 1942 début 1943 il peint la "Jungle" qui sera présentée à la galerie Pierre Matisse. Alfred Barr, directeur du MoMA, achète le tableau et l'intègre dans les collections du musée.

Le 24 janvier 1946, ses œuvres sont exposées à Port-au-Prince, en Haïti. Breton écrit la préface du catalogue : « La Nuit Haïti ».

En 1952, Wifredo Lam décide de retourner à Paris. A partir de 1961, il vit entre Paris et Albissola, un village de la côte Ligure (Italie).

Il meurt à Paris le 11 septembre 1982.

(source Wiki)

C'est au cours de mes recherches sur la relation entre la peinture et l'art africain qui a inspiré beaucoup d'artistes comme Picasso par exemple que j'ai découvert Wifredo Lam, il avait construit une grande et riche collection de cet art qu'il affectionnait qui a pas mal influencé sa peinture d'ailleurs, il en aimait disait-il la culture primitive, le côté magique et mystique et en correspondance étroite avec la nature. Ses origines métisses aussi se ressentent fortement dans son travail, c'est je crois ce qui m'attire dans sa recherche. Pas facile de voir une de ses oeuvres en France, à priori juste une ou deux toiles à chaque Fiac et encore, le musée Dapper a bien organisé une magnifique rétrospective de son oeuvre, il n'en demeure pas moins qu'il faut pousser jusqu'à la Havane pour pouvoir l'apprécier de visue, voilà bien une belle raison de faire le voyage...

 

" Un tableau est une proposition faite aux autres. Un vrai tableau c'est celui qui possède le pouvoir de faire travailler l'imagination."

- Wifredo Lam -

 

Très influencé par Breton, il disait ceci: "Breton m'a transmis le point de vue poétique auquel j'ai donné une finalité: celle d'être plus que jamais indépendant par l'esprit. Dans mes toiles je transmets tout ce qu'il y a de plus essentiel à l'intérieur de mon être. Peu à peu, j'ai enrichi ma culture, j'ai dirigé ma pensée, humaniste et critique, sur la douleur de l'homme." Plus connu comme peintre, il a également une oeuvre qui s'étend aux gravures qui illustrèrent les textes de nombreux pètes comme André Breton bien sûr mais aussi Gherasim Luca et René Char.

 

 

" Dans une société où la machine et l'argent ont démesurément agrandit la distance de l'homme aux choses, Wifredo Lam fixe sur la toile la cérémonie pour laquelle toutes existent: la cérémonie de l'union physique de l'homme et du monde.

Engageant délibérément l'intelligence et la technique dans une aventure fabulatrice unique qui met à nu comme par secousses sismiques les couches les plus lointaines de l'écorce cérébrale, Wifredo Lam célèbre la transformation du monde en mythe et en connivence. la peinture, est une des rares armes qu'il nous reste contre la sordidité de l'histoire, Wifredo lam est là pour l'attester. E tel est un des sens de la peinture riche plus qu'aucune de Wifredo Lam: elle arrête le geste du conquistador: elle signifie son échec à l'épopée sanglante de l'abâtardissement par son affirmation insolente qu'il se passe désormais quelque chose aux Antilles. Quelque chose qui n'a rien à voir avec le contingentement des sucres et des rhums, les cessions de bases, les amendements aux constitutions: quelque chose d'insolite: quelque chose d'éminemment inquiétant pour les ententes économiques et les plans politiques et qui risque si on n'y prend garde de faire éclater tout ordre qui le méconnaîtrait. Il se passe capitalement ceci que des hommes, qui de tout temps, se débattaient assaillis de doutes, de sollicitations contradictoires, d'invites incertaines, ce sont, à force de tâtonnement nerveux, d'incohérence, de fulgurance, trouvés. Et c'est au nom de ces hommes, au nom de ces rescapés du plus grand naufrage de l'histoire, que parle Wifredo Lam.

Bien entendu tout cela n'a pas été sans héroïsme. Il fallait rompre avec les puissants amateurs de cartes postales. Rompre avec ceux qui sont nombreux à trembler qu'une razzia de l'imagination ne les vienne dessaisir de leur petit bon sens a thésaurisé de bonheur lâche et que quiétude hébétée. Wifredo Lam n'a pas hésité à faire office de grand perturbateur. Parce qu'il porte en lui le secret du souffle, de génie de la croissance, Wifredo Lam a mis le pied dans le plat des académismes et des conformismes.

En définitive, ce qui, par ses soins, triomphe aux Antilles, c'est l'esprit de création.

Et cela prend une importance singulière, si on réfléchit que nulle part ailleurs aux Antilles le vieux problème de la forme et de l'esprit ne se pose avec plus d'acuité.

Par les soins de Lam les formes saugrenues, toutes faites, rugueuses, inspirées qui barraient la route sautent aux grands soleils des dynamites. Par les soins de Lam, la forme se fait docile dons légitime. par les soins de Lam, l'esprit premier; je veux dire le rêve, l'hérédité, se projette et hallucine.

Wifredo Lam, le premier aux Antilles, a su saluer la Liberté. Et c'est libre, libre de tout scrupule esthétique, libre de tout réalisme, libre de tout souci de commentaire, que Wifredo Lam tient, magnifique, le grand rendez-vous terrible: avec la forêt, le marai, le monstre, la nuit, les graines volantes, la pluie, la liane, le serpent, la peur, le bond, la vie.

Wifredo Lam ne regarde pas. Il sent. Il sent le long de son corps maigre et de ses branches vibrantes passer, riche de défis, la grande sève tropicale.

Nourri de sel marin, de soleil, de pluie, de lunes merveilleuses et sinistres, Wifredo Lam est celui qui rappelle le monde moderne à la terreur et à la ferveur premières."

- Aimé Cesaire -

 

liseur d'entrailles et de destins violets

récitant de macumbas

mon frère

que cherches-tu à travers ces forêts

de corne de sabots d'ailes de chevaux

 

- Aimé Cesaire, " Wifredo Lam...", Moi, laminaire... -

 

 

 

défifoto

 

Une photo qui regroupe en elle tout du défifoto, le mouvement le regard la vitesse la lumière la couleur la passion plus qu'avouée du repreneur, le voyage l'échange. Alors pour tous les amateurs de cet ensemble de données il existe un nouvel endroit une sorte d'association de bienfaiteurs de l'image, une aventure commencée depuis des mois et crée par elle reprise par lui, là!

A nos objectifs! A nos regards respectifs!

 

échange

 C'est un petit dîner entre amis chaleureux et plaisant, toujours bon de retrouver des gens qu'on aime autour d'un feu de cheminée d'un bon verre de bordeaux et d'une cuisine parfaite. On discute comme à l'accoutumée de choses et d'autres, d'autant que ça fait quelques mois qu'on ne s'est pas vu les uns et les autres, on parle, on parle, l'un de sa nouvelle passion pour le golf, l'autre des travaux qu'il entreprend dans sa maison et dont il ne voit pas le bout, l'une de l'inhumanité caractéristique sur son lieu de travail l'entreprise pour laquelle elle se démène venant d'être engloutie par un plus grand groupe bourré d'actionnaires réclamant plus de rentabilité et n'ayant pas la philosophie d'une structure à échelle familiale, l'autre de sa difficulté avec son adolescente qui lui donne du fil à retordre supportant mal le divorce de ses parents qui ne se passe pas dans la plus grande intelligence mais plutôt dans le renvoi permanent de la patate chaude comme malheureusement souvent dans ce genre de désaccord brûlant. Les petits bouts de nos hôtes passent en fléche au milieu de ses conversations d'adultes piquant deci delà des bribes, relevant un mot au passage, c'est assez savoureux et l'atmosphére est ainsi bon enfant et fluide. Aprés un tour de table si je puis dire des uns et des autres, voilà qu'arrive mon tour, " Et toi, qu'est-ce que tu racontes?"... Je me lance sachant qu'ils l'ignorent tous et leur dévoile l'existence de mon blog, je leur parle de ce que j'y fais ce que je tente de faire plutôt, cet endroit créé dans un moment difficile de mon existence et qui prend beaucoup d'importance, ce lieu de rencontre que j'aimerais vivant et riche comme le dernier salon où l'on cause comme cela pouvait se fabriquer au siècle dernier, cette réunion d'êtres pensants et sensibles devisant et échangeant propos et affects, je leur transmet ce qu'il m'apporte comme satisfactions quotidiennes et l'importance des amitiés tissées, et je me rend compte à quel point c'est difficile pour eux de me comprendre, à tel point qu'aprés pourtant une tirade presque digne d'un Depardiou en forme je les vois sceptiques me reposant la question: "Mais pourquoi un blog?"

 

 

 

Pierre Bonnard

" L'art c'est l'arrêt du temps."

- Pierre Bonnard -

 La peinture de Pierre Bonnard est une peinture ”hors du temps”. Non pas qu'elle soit intemporelle, non pas non plus qu'elle prétende à une universalité quelconque qui par principe transcenderait l'objet du tableau (cet objet qu'on appelle souvent le “sujet”). Bonnard sait que le temps est un compte, un décompte, une mesure. C'est hors de ce temps mesurable et toujours mesuré qu'il se place. Il est dans cet "instant" qui n'est pas une fraction du temps mesuré, qui en serait une fraction infime, une seconde ou moins, un millième ou moins encore. Bonnard est, par son art, dans son art et sans doute parce que c'est ainsi qu'est l'art, un peintre de l'instant, de l'ici, du maintenant, irréductible, indépassable et qui est la vie même en tant qu'elle est sa propre épreuve et qu'elle ne peut jamais être déliée ni d'elle-même, ni de nous, ni de rien. Un tableau de 1895 intitulé “L'omnibus” est une magnifique “illustration” de cette instantanéité de la peinture de Bonnard: on y voit en un seul regard et sans mesure, en toute démesure, le mouvement, une scène où tout “bouge”. De la même manière, une stupéfiante photographie qu'il a prise de Marthe, de dos, assise sur son lit, photographie qui semble non pas la figer mais l'immobiliser. L'immobiliser, au sens où celle immobilité est celle d'un mouvement, d'un geste en train de se déployer sous nos yeux et dans notre propre regard.

Issu d’une famille aisée et excellent élève, Pierre Bonnard commence très tôt à peindre. En 1887 il s’inscrit à l’Académie Julian, où il fait la connaissance de Maurice Denis, un de ceux avec lesquels il formera le groupe des Nabis.

Bonnard est marqué au départ par le climat hostile à l’impressionnisme des années 1890, et restera toujours méfiant vis-à-vis des milieux symbolistes. En effet, le peintre est trop ironique et modeste pour partager la sentimentalité et le mysticisme de Maurice Denis. Mais comme son ami, il simplifie la ligne et exalte la couleur, utilisée de façon arbitraire, préfère l’arabesque au modelé, néglige la perspective, serre la composition et amène les plans à la surface du tableau. Pratiquant la déformation caricaturale et expressive et négligeant la représentation de la réalité, interprétée de façon décorative et humoristique, Bonnard est avant tout décorateur, ce qui lui permet la liberté, la fantaisie et l’irréalisme. Il réalise de nombreux panneaux décoratifs, des lithographies en couleurs, des paravents, illustre des livres, exécute des affiches… Bonnard est surnommé le « Nabi très japonard » en raison de son goût pour certains motifs décoratifs, tels que les ramages d’étoffe ou les carreaux, pour ses perspectives plongeantes et ses découpages imprévus.

.

.

Il sait exprimer le pittoresque de la vie parisienne « 1900 », dans un mélange de cocasserie et de mélancolie. Le décor se fait intime et familier, tout comme dans les scènes d’intérieur, qui évoquent avec une subtile poésie les plaisirs et rêveries de la vie domestique. A partir de 1900, Bonnard multiplie les nus, où il donne une vision infinie de la variété des reflets de la lumière : c’est dans le nu que le peintre découvre progressivement le modelé, les reflets et la perspective, éclaircit sa palette et fait circuler l’air dans le tableau.

.

.

En 1912, il s’installe près de Giverny, où vit Claude Monet, et découvre la peinture de paysages, d’abord prudemment par sa fenêtre, puis plus largement. Cependant il préfère toujours l’univers clos du jardin, qu’il dépeint dans de grandes compositions. A partir de 1914, Bonnard connaît une crise, au moment où l’impressionnisme est dénoncé par les avant-gardes. Son art va alors évoluer vers plus de monumentalité, de liberté et de complexité.

.

.

.

.

" La peinture doit revenir à son but premier, l'examen de la vie intérieure des êtres humains."

.

.

.

.

" Il ne s'agit pas de peindre la vie mais de rendre vivante la peinture."

.

en écho

à Laure K., un souffle raffiné délicat sensible à l'image de notre rencontre toute en douceur, en confiance et en confidences... A suivre...

 

 

 

en vérité

 

" Le langage n'est pas la vérité. Il est notre manière d'exister dans l'univers."

- Paul Auster -

 

 

défifoto: la page blanche

 

 

La page blanche, la page des possibles celle d'une nouvelle rencontre d'un créatif partage d'une peine à venir d'un découragement la page des attentes et des envies, celle si peu virgirnale de l'inaccessible inconscient, la page blanche absente à notre naissance innocente plein que nous sommes déjà de ce qui est écrit en nous et vécu au travers nous, là, dans l'inconnu l'avenir le prochain l'inspiration l'aspiration quand nous commençons à prendre conscience cette page blanche que nous fabriquons dans l'espace temps qu'on appréhende qu'on attend qu'on secrète, qui nous ouvre à nos ombres et à nos respirs, à nos rêves et à nos désirs, une porte un passage une écriture en devenir une vie à vivre...

 

 

sérénissime

 

- aquarelle de William Turner -

 

" C'est en y vivant jour aprés jour que vous ressentez la plénitude de son charme, que vous laissez son influence exquise s'emparer de votre esprit. Cette créature a les variations d'une femme nerveuse, qu'on connaît que lorsqu'on a fait le tour de tous les aspects de sa beauté. Elle a l'esprit élevé ou bas, elle est pâle ou elle est rouge, grise ou rose, fraîche ou blafarde, suivant le temps et suivant l'heure. Elle est toujours intéressante et presque toujours triste; mais elle a un millier de grâces incidentes, et elle est toujours sujette à d'heureux accidents. Vous commencez à éprouver une extraordinnaire affection pour ces choses; vous comptez sur elles; elles font partie de votre vie. Votre affection devient de la tendresse; il y a quelque chose d'indéfinissable dans ces rapports personnels et intenses qui s'établissent peu à peu. L'endroit paraît se personnifier, devenir humain, sensible, et conscient de votre affection. Vous avez le désir de l'embrasser, de le caresser, de le posséder, et c'est finalement un doux sentiment de possession qui s'élève; votre séjour devient une perpétuelle affaire amoureuse."

- Henry James - Heures Italiennes -

 

 

contrerimes

 

 

Puisque tes jours ne t'ont laissé

Qu'un peu de cendre dans la bouche,

Avant qu'on ne tende ta couche

Où ton coeur dorme, enfin glacé,

Retourne, comme au temps passé,

Cueillir, près de la dune instable,

Le lys qu'y courbe un souffle amer,

- Et grave ces mots sur le sable :

Le rêve de l'homme est semblable

Aux illusions de la mer.

 

- Paul- Jean Toulet -

 

 

agnès martin

 

 

 

" When I think of art I think of beauty. Beauty is the mystery of life. It is not in the eye, it is in the mind."

- Agnès Martin -

 

antre

 

 

"Dans le noir, toutes les couleurs s'accordent."

- Francis Bacon -

 

 

 

 

Lucian Freud

 

L'artiste britannique Lucian Freud est considéré comme le plus important peintre figuratif contemporain. Portraitiste accompli, spécialiste du nu, Freud a recours à l'empâtement pour figurer profondeur et intensité, tout en restreignant sa palette de couleurs à des nuances essentiellement sourdes. Ses portraits, peut-être sans indulgence pour ses sujets, sont honnêtes, francs et assumés. 'Je peins les gens non pour ce qu'ils semblent être, ni exactement en dépit de ce qu'ils semblent être, mais pour ce qu'ils sont', a déclaré Freud.

- Sebastian Smee -

Petit fils du célèbre psychanalyste, son talent n'est pas dans l'écriture mais dans la peinture. Un talent qui se déploie au fur et à mesure du temps qui passe, remettant en question de façon inexorable sa peinture, son geste, son trait, sa matière. Exilé du régime nazi, il suit son père à l'âge de 10 ans en Grande-Bretagne et obtient la nationalité anglaise à 17ans. Etudiant en art, il expose à l'âge de 22 ans. S'ensuivent de nombreuses récompenses jusqu'à l'apogée, en 2008, avec la vente de son tableau 'Benefits Supervisor Sleeping' à un prix faramineux. Si, dans les années 1980, ses oeuvres rencontrent déjà un véritable succès, il ne sombre pas dans la monotonie du geste acquis, parfait et automatique. D'abord peintre de la finesse et de l'hyperréalisme, il choisit de se faire violence et change de matériel : des pinceaux rigides et gros, une matière plus épaisse, et un geste moins lissé. Ce virage donne à ses toiles un nouveau réalisme malgré l'aspect découpé des visages de ses portraits. La lumière est traitée de façon brutale, voire maladroite. Puis il persiste dans ce style qui lui est propre, pour en devenir le maître incontesté. Ses peintures, violentes de réalisme, plus épaisses, froides et presque cadavériques illustrent l'acquisition par le peintre du geste juste et parfait. Ses portraits de personnages communs, volontairement peints dans des positions torturées, illustrent sa vision sans artifice du corps, ou plus précisément, de la chair humaine.

 

 

A la différence de Francis Bacon, le dessin a été fondamental dans la formation du regard de Freud et à son développement en tant qu'artiste. Dès le début, il occupa une part importante de sa vie. Son célèbre cahier de croquis, The Freud-Schuster Book, datant de janvier 1940 lorsque Freud était à Snowdonia avec Stephen Spender, a heureusement été conservé, tout comme ont survécu ses croquis réalisés à bord d'un vaisseau sur l'Atlantique en 1941 alors qu'il travaillait dans la marine marchande. Par la suite, il exécuta des illustrations et se fascina pour le dessin d'animaux, de poissons et d'oiseaux comme en attestent ses dessins au trait illustrant le recueil de poèmes de Nicholas Moore, The Glass Tower (1944).

 

L'œuvre de Lucian Freud est divisé en plusieurs périodes, d'abord une première période aux compositions surréalistes, ensuite une période réaliste dite "néo-romantique" où apparaissent les portraits dans une texture légère. Ensuite vient la période de maturité qui a fait la réputation de l'artiste. Peint dans une texture épaisse, dans des tons bruns, gris et blancs, les portraits apparaissent souvent comme vus avec une acuité particulière qui ne veut cacher aucun détail du visage du modèle scruté. Les portraits sont peints sur le vif, repris de nombreuses fois.

Les modèles nus sont vus dans des ateliers désolés, sur des lits ou des sofas défoncés dans des poses inhabituelles et des attitudes crues. Aucun détail n'est caché. L'éclairage de la scène est souvent électrique, et on remarque des "coups de blanc" sur les chairs des modèles peints qui renforcent la sensation d'éclairage artificiel. Freud parle d'une "déformation particulière" qu'il obtient par sa façon de travailler et d'observer. (source Wiki)

Qu'est-ce que peindre ? qu'est-ce que peindre le corps ? qu'est-ce que cette matière-chair ? quel est son poids ? quelle est son épaisseur ? que font les corps l'un sur l'autre ? l'un près de l'autre ? que font-ils à la peinture ? Lucian Freud se dit "botaniste", il est étonnamment surtout une présence, parfois dérangeante tant elle implique celui qui regarde. Il ne peint que ses proches, ses amis, ses enfants ... et toujours dans l'atelier : l'espace est clos, murs et planchers contiennent les corps. Et lorsqu'il peint l'extérieur, c'est toujours depuis l'intérieur : on repère par exemple un bord de fenêtre et on n'oublie pas que ce qui est vu l'est depuis le dedans - moi qui vois, je suis moi même, en arrière du regard, un corps, un grand contenant. Une peinture criante de sincérité ni sentimentale ni misanthrope, vraie, crue.

 

Et là, seul dans son corps le bras les muscles la main, tendus par et vers la matière, le peintre aborde notre regard, mais le sien et celui des modèles sont toujours ailleurs détournés, ouvrant une autre direction brisant le face à face obligeant ainsi à voir autrement. Et l'on pense forcément à son ami Bacon dans cette torsion des lignes, ces glissades de couleurs qui infligent aussi une échappée vers la matière. Peintre de chair Freud affirme les corps.

Jusqu'au 19 Juillet 2010 fascinante exposition au centre Pompidou à Paris se terminant par les photographies de David Dawson de l'atelier du peintre.

 

 

 

00:33

 

 

 

" On ouvre sa fenêtre, on ouvre son coeur pour s'emplir de ce quelque chose d'innomé qui est si doux et si grand. Il me semble que la nuit est faîte pour un ordre d'idées tout particulier et autre que celui où nous vivons tout le jour. C'est le moment des soupirs, des désirs, du souvenir et de l'espoir, c'est là que seule et éveillée la pensée plane à l'aise entre la terre et le ciel comme ces oiseaux qui vivent dans les nuages. Le corps aussi y a des joies plus violentes. Qu'est-ce qui a jamais eu l'idée de faire un festin autrement qu'aux flambeaux?"

- Gustave Flaubert - Correspondance -

 

 

défifoto: auto-portrait

Un auto-portrait sous forme de puzzle d'images, de petits morceaux de soi qui nous évoquent nous suggèrent nous symbolisent ou dans un ombre et lumière un regard qui nous dit, un exercice ardu... J'avais déjà traité de ce sujet là par l'intermédiaire de la photo d'ailleurs mais surtout par le propos de Richard Avedon, la puissance évocatrice de la photo de rendre la réalité ou l'illusion de la réalité, avec ce paradoxe constant de savoir où elle se trouve puisqu'elle n'existe pas en soi et qu'on peut juste chacun tenter de l'exprimer et d'en refléter un soupçon, histoire d'avancer de partager de témoigner et de confronter. Et puis finalement après quelques détours et réflexions d'usage, mise en branle de matière grise écoute de ressenti, je suis tombée hier soir tard dans ma nuit d'insomnie sur l'image reflétant ce que je voulais dire, une fois de plus je déroge à l'usage qui veut qu'on poste une des siennes, je lui pique et me l'approprie un instant en espérant qu'il ne m'en voudra pas, merci le Barbare Erudit, je l'ai rencontrée là celle qui me dit le mieux, il y parle de l'amour de ses plumes, et c'est ce à quoi je voulais en venir, ici c'est un auto-portrait, ce blog d'helenablue, c'est ces petits bouts de levers de voile, c'est ma chair, c'est mon air, c'est mes doutes et mes envies, mes facettes, mes défauts, mes espoirs, mes lectures, mes rencontres, mon amour de l'art, mon goût pour l'écriture. Alors voilà, mon auto-portrait est là, tous les jours, dans tous les mots qui s'écoulent et me déroulent, de la pointe de ma plume bleue...

 

 

 

l'humain isolé

- toile de Françoise Danel -

 

 "La littérature, c'est ce que vous écrivez et que personne d'autre ne peut écrire à votre place. La petite part d'humain que vous transportez et que vous allez faire passer sur le papier. Comme un savant isole une souche de microbes. La littérature, c'est l'humain isolé."

- Louis Hamelin -

 

 

imaginaire visionnaire

 

 

 

musical

 

 

 

" Un grand auteur est celui dont on entend et reconnaît la voix dès qu'on ouvre l'un de ses livres. Il a réussi à fondre la parole et l'écriture."

- Michel Tournier -